" href="http://logoss.lacoctelera.net/post/2006/09/21/suite-deluxe-na-3-radio-futura-el-cambio-la-movida-" rel="bookmark">Suite Deluxe nº 3: Radio Futura (el cambio de "La movida")
Después de varios meses sin publicar, vuelvo a las andadas en un nuevo formato de página que simboliza un pequeño cambio... Volvemos a abrir las puertas del majestuoso Hotel California para mostrar una nueva Suite Deluxe, esta vez con unos inquilinos que simbolizaron un gran cambio en la música que se publicaba en España junto a bandas como Loquillo y Los Trogloditas, Alaska y Los Pegamoides, Gabinete Caligari, Golpes Bajos, Toreros Muertos, etc...
Tras la etapa franquista, la transición llegó con los años ochenta. La sociedad trataba de desligarse de un yugo que los mantenía atenazados política y culturalmente, apareciendo nuevas formas de entender la cultura, las ideologías, la literatura, la música... Es en Madrid donde la llamada "Movida" comienza a tener su esplendor bajo el consentimiento de un alcalde del que aún muchos conservan gratos recuerdos: don Enrique Tierno Galván. A través de ensayos contenidos en su obra El miedo a la razón, apoyó la cultura marginal juvenil aparentemente alternativa para conseguir un claro y definido punto y aparte entre las costumbres franquistas imperantes y la recién nacida sociedad democrática.
Publicaciones como La Luna fueron baluartes del llamado "movimiento", ayudados en gran parte por programas televisivos como Si yo fuera Presidente o la famosa Bola de Cristal... Es en este último programa donde descubrí al que ha sido (y sigue siendo) uno de mis grupos predilectos: Radio Futura.
Sus primeros pasos los dan allá por el año 1979, auspiciados por el llamamiento de uno de los fundadores de la formación: Herminio Molero. A su convocatoria en el local de la calle San Fidel acuden numerosos músicos que querían formar parte de un nuevo grupo musical, aunque finalmente serían seleccionados dos jóvenes hermanos (Luis y Santiago Auserón, recién llegados de Paris, donde habían cursado estudios de Filosofía)), Javier Pérez Grueso (músico percusionista) y el guitarrista Enrique Sierra (de la formación Kaka de Luxe, auténticos pioneros del cambio radical de la música rock en castellano e injustamente poco reconocidos).
La música de Herminio Molero consistía principalmente en una fusión entre música electrónica y música tradicional española, Enrique Sierra aportaba su punto rock/punk y los hermanos Auserón aplicaban la teoría musical. Tras varios meses de ensayo deciden nombrar a la formación Radio Futura (tomando el nombre de una emisora pública italiana). En ella se incluyó como sexto miembro del grupo a Carlos Velázquez, apodado Solrac.
Gracias a los contactos influyentes de Herminio Molero, en 1980 consiguen editar un disco al que llaman Música Moderna que incluía un éxito inesperado que los convirtió rápidamente en referentes de la movida (y en cuya portada no aparece Solrac, ya que fue vetado por la productora del disco al no dar la imagen que creían debía aparentar el grupo). La canción se llamaba Enamorado de la moda juvenil, que consiguió que promotores de todo el territorio nacional se los rifaran para conciertos (llegando a ser teloneros de Elvis Costello, entre otros...).
Tras este primer éxito fulgurante, los miembros del grupo se replantearon la definición del estilo y la actitud que debían adoptar como banda, lo cual motivó enfrentamientos entre sus miembros hasta el punto que su principal valedor, Herminio Molero, decide abandonar la formación junto a Javier Pérez Grueso. Radio Futura pasa a ser un cuarteto que, bajo la típica formación de guitarra, voz, bajo y batería, consiguen construir nuevas canciones que sentarían las bases de un estilo particular y reconocible, siendo precursores en España del llamado "Rock latino"...
A finales de 1981, la banda cuenta con numerosas maquetas que son pinchadas en radiofórmulas y tocadas en sus cada vez más numerosos conciertos. 
Entre ellas, un single destaca por encima de los demás: La Estatua del Jardín Botánico cuya cara B contenía la canción Rompeolas. Junto con el siguiente single Dance usted y la instrumental Tus pasos provoca un nuevo relanzamiento del grupo, que comienza a caminar hacia un rock más radical y experimental, una nueva fusión a medio camino entre el Funky y el Punk. A partir de 1982 comienzan a llenar en los conciertos por todá la geografía española...
El prestigio de la banda aumenta a pasos agigantados y deciden tomar la carretera y multiplicarse en conciertos, una forma de vida que inspiraría nuevos temas para sus siguientes discos. De hecho, varias de las nuevas canciones que se cantaban en los directos no habían sido editadas previamente en disco, pero la radio emitía grabaciones y el público las conocía perfectamente y no paraba de tararearlas o cantarlas. A finales de 1983 llegan a un acuerdo con la discográfica Ariola y a comienzos de 1984 editan su siguiente disco: La ley del desierto, la ley del mar.
El disco presenta dos partes bien diferenciadas. La ley del desierto, con 6 temas (uno de los cuales , Escuela de calor, se presenta en dos versiones) de sonidos duros y áridos. La ley del mar, con otras 6 canciones que poseen un toque fresco y más latino (entre las que destaca sobremanera la espectacular Semilla negra). Hay que destacar que en la versión de casette se incluirían posteriormente dos nuevos temas (Duda y Dub)
Las previsiones de ventas fueron superadas ampliamente, convirtiendo este disco en un éxito de ventas... Pero el éxito va haciendo mella en la relación de los componentes del grupo, que caen embriagados en brazos de las juergas...
Las canciones compuestas en carretera seran la base para la grabación del siguiente disco, marcado por las urgencias del grupo en editar el nuevo material. Se encierran en una casa en El Escorial, donde realizan una maqueta con 8 canciones delas que, posteriormente, desecharían 2. Posteriormente, viajarían a Londres donde trabajarían en esas canciones y otras cuatro que, hasta llegar allí, no habían tocado todos los miembros del grupo juntos...
Y así es como nace en 1985 el excelente De un país en llamas, que según muchos críticos musicales sea el álbum más arriesgado que haya hecho jamás un grupo español, cargado de innovaciones tecnológicas y un sonido más "barroco". Posteriormente, deciden contar con la guitarra de Raimundo Amador para realizar una remezcla de Semilla Negra con la que consiguen un éxito, no solo en España, sino también a nivel internacional. Comienzan las desavenencias por el estilo al que se quiere llegar y es Solrac el que tira la toalla (él apostaba por un sonido más rockero, mientras que el resto prefería caminar por el sonido latino).
De esta forma, el grupo precisa de un nuevo batería especialista en estilos "latinos" (que será Carlos Torero) y además necesitaran de un teclista (Pedro Navarrete). Con ellos tienen el propósito de grabar un nuevo disco para el año 1987, por lo que deciden viajar a New York a finales del año 1986 para grabar un disco totalmente opuesto al anterior: un disco con la mínima tecnología de por medio y usando el sonido puro y limpio de los instrumentos. Para ello contrataron al percusionista cubano Daniel Ponce y a toda una sección de viento (los Uptown Horns). El disco se llamará La canción de Juan Perro. Es a principios de 1987 cuando nos dejan una perla extraída de las grabaciones de este disco: 37 grados, una de las mejores canciones del rock en castellano...
El disco no parecía convencer a la crítica, pero en palabras de los componentes del grupo es con el que se han quedado más satisfechos, amén de que esté considerado actualmente como el mejor disco de la formación.
Es el momento álgido del grupo, pero empiezan a aparecerle nuevas piedras en el camino... El guitarrista Enrique Sierra enferma del riñón y es ingresado en un hospital, por lo que el grupo se ve obligado a contratar a un nuevo guitarrista, que será Javier Monforte (que permanecerá en el grupo a pesar de que Enrique volvió a la formación en 1988, una vez recuperado de sus dolencias)... Poco tiempo después, Carlos Torero abandona el grupo y Óscar Quesada pasa a ser el nuevo batería.
Tras unos meses en el dique seco, deciden grabar una versión de su tema La negra flor en clave de rap como homenaje a las conocidas Ramblas de la ciudad de Barcelona, llamándola Paseo de la negra flor. Y es a mediados de 1988 cuando obtienen el acuerdo con la compañía para grabar el que sería su único directo (realizado a finales de Octubre, en dos conciertos ofrecidos en Valencia). El disco saldría a comienzos de 1989 bajo el título Escueladecalor, que finalmente sería editado en formato de doble disco con solo once temas incluídos entre ambos...
Con motivo del décimo aniversario del lanzamiento de Música Moderna, el grupo se lanza a dar una serie de giras por toda España. Tras una recaída en la enfermedad de Enrique (que volvería al grupo poco después) deciden contratar al guitarrista Ollie Halsall. Javier Monforte no continúa. Óscar Quesada no renueva con el grupo y es sustituído por Antonio Vázquez a la batería.
Y es con este quinteto (Santiago, Luis, Enrique, Ollie y Antonio) con el que el grupo vuelve a los estudios de grabación entre Noviembre de 1989 y Enero de 1990, grabando un álbum de corte "acústico" que se llamó Veneno en la piel. Diez temas (entre ellos una versión acústica de la canción que da título al disco) a los que, posteriormente, se les uniría un nuevo single no incluído en el disco titulado La ronda del colgado. La gira promocional del disco fue la más elaborada, realizando macroconciertos por todo el país (algo que no agradaba a los miembros de la banda, que preferían ambientes más íntimos). Discrepancias con Ariola hicieron que el grupo tuviera que cumplir con el compromiso de firmar un nuevo disco, a pesar de que ellos creían que su etapa como grupo había finalizado (Santiago auserón quería grabar un disco junto a su amigo Kiko Veneno).
El 30 de Septiembre de 1990 se pone fin a una larga trayectoria de directos (unos 439 conciertos en once años de vida del grupo) y tras dos años deciden poner punto y final al contrato con la discográfica publicando Tierra para bailar, un disco donde incluirían versiones de 6 de sus temas más conocidos, así como dos canciones nuevas (El puente azul y una versión de la canción Tierra de Caetano Veloso). En este año fallecería Ollie Halsall, lo que supondría un enorme varapalo para el resto de los componentes de la banda.
De esta forma se pone punto y final al contrato y a la banda. Poco después, a finales de 1992, se editaría una caja con todos los álbumes del grupo en Cd, incluyendo el inédito Rarezas (un disco con 15 canciones que incluía grabaciones de conciertos y de las primeras sesiones, así como algún tema inédito que el grupo habría tocado a veces en los directos).
Más tarde, en 1998, apareció en el mercado el disco Memoria del porvenir, que incluiría versiones de los 16 temas más conocidos de la trayectoria del grupo. Y en 2003 aparece Caja de canciones, una caja con la edición de los álbumes del grupo en formato mini-LP que incluiría modificaciones en dos de los trabajos (sustituyendo canciones en el directo Escueladecalor y en el recopilatorio Tierra para bailar).
En 2004 apareció la última de las entregas relacionadas con este mítico grupo, bajo el nombre de Paisajes Eléctricos 1982-1992 que incluiría dos discos de música y un DVD con todos los videoclips y varias actuaciones en TVE.
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A finales de ese mismo año, varios artistas (y otros no tanto) del panorama rock (y también ñoño) del país decidieron realizar un homenaje al grupo con la edición del llamado Arde la calle-Un tributo a Radio Futura, con excelentes versiones en algunos casos (insuperables Fito, Calamaro, Rosendo y Bunbury...) y otros que no se podrían escuchar (ni falta hace que los nombre...) de varios temas de la formación...
No quiero extenderme sobre el resto de proyectos que han realizado los distintos componentes de la banda, con mayor o menor éxito... 
Solo decir que me quito el sombrero ante la locuacidad y las letras del gran Santiago Auseron (en solitario bajo el pseudónimo de Juan Perro) y que procuraré no perderme la nueva presentación que hará con la formación Las Malas Lenguas, compartiendo cartel con su hermano Luis y versioneando temas clásicos del Rock n´ Roll... Pero de eso ya les haremos una entrega tanto el maestro Yeyo como yo, puesto que el día 22 de este mismo mes apareceran por nuestra ciudad para deleitarnos con su excelente sonido...
Así que sin más me despido de todos vosotros... Espero que la extensión del artículo no les aburriera sobremanera (pensé en hacer dos artículos, pero ¿quién puñetas está en dos habitaciones de un Hotel al mismo tiempo?...jejeje...) También deseo que la decoración con la historia de este grupo haya sido de su agrado y que me hagan las preguntas que estimen oportunas sobre la banda...
Este trío musical es un ejemplo de cómo se debe empezar desde cero. Con un estilo musical que mezcla el rock "tex-mex" con pinceladas de blues armónico, soul, country y tejano, han conseguido llegar a la cima del 
Durante esta época, el talento de los tres hermanos comenzaba a dar sus frutos en forma de primeras composiciones que en cierta forma no se adaptaban al repertorio de su progenitor, por lo que de forma amistosa y sin apenas darse cuenta, salieron del regazo paterno y decidieron hacer su primera actuación en Atlanta. Pero las cosas no les fueron demasiado bien, así que decidieron volver a Texas.
Sus años de estudio de las grandes estrellas del rock y el blues pronto comenzaron a dar sus frutos, desarrollando y potenciando aún más sus habilildades vocales y compositoras. A uno de esos conciertos asistió 
Poco después, durante la gala de celebración de los Grammy´s 2005, esta misma canción consiguió el galardon de mejor interpretación vocal de dúo o grupo (y créanme si les digo que nos ni mucho menos la mejor canción del disco). Gracias al auge mediático que comenzaban a adquirir, una de las grandes empresas de bebidas refrescantes, 
En lo que se refiere al disco en sí, cabe destacar la cuidada selección de los temas (doce en total), con una mezcla suave de distintos estilos que hacen que no sea un disco cargado. Es fácil de escuchar y en él se pueden descubrir temas que enganchan por su melodía vocal o por el riff de la guitarra. Las voces se acoplan perfectamente (cantan los tres hermanos) y el sonido es bastante bueno, con deliciosos solos instrumentales. Los textos son mezclados la mayor parte de ellos en Spanglish (algunas letras podrán sonar raras a la primera escucha, por los errores gramaticales al cantar en castellano, pero como son americanos a lo mejor les importa bien poco, jejeje...) Sería difícil tener que elegir una de las canciones. pero si tuviera que hacerlo, me quedaría con Señorita (el tema que abre el disco) o con Nobody else. 
Esa mujer era Rita Anderson, la mujer a la que Bob Marley consideraba la "primera y la única" (a pesar de darse el lote con cualquiera que se le pusiera por delante, llegando a tener incluso hijos con alguna de ellas además de los 8 que tuvo con Rita). Por aquel entonces, las discográficas mantenían la vena machista ponderante en la sociedad y aconsejaron a Bob Marley que no comentara nada sobre su matrimonio con Rita ya que podría influir en las ventas de sus discos. 
Pero centrémonos en las canciones. Rita era una de la jóvenes que participaban en los coros de la nueva banda que habían formado Marley con unos amigos suyos (Tosh y compañía): la banda era los 
Nacido en Abril de 1899 (Washington D.C.) en el seno de una familia de clase media (su padre, James Edward Ellington, era mayordomo en la casa de una familia adinerada y su madre, Daisy Kennedy Ellington, procedía de una familia negra acomodada). Como todos los grandes genios de la historia, le resultó muy difícil aprender a leer música a pesar de los esfuerzos de sus padres, que le pagaron dos buenos profesores para enseñarle a tocar el piano cuando tenía la edad de 7 años. Durante su adolescencia se dedicó a vender frutos secos en partidos de 
Tras acabar sus estudios escolares, decide dedicarse a estudiar en una escuela de diseño y decoración (la Armstrong Manual Training School). En uno de sus periodos vacacionales, Duke se quedó maravillado tras escuchar a un pianista llamado Harvey Brooks. Decide marchar a Philadelphia en busca de Brooks, convirtiéndose en su alumno durante las vacaciones. Allí, Harvey Brooks le instruye en diversos trucos para el piano, comenzando la carrera musical del que sería conocido como Duke Ellington.
En los siguientes años decide independizarse, se casa con Edna Thompson y compra su propia casa. Poco después, en 1919, nace su primer y único hijo (
consiguiendo ese año sus primeras grabaciones. Comenzaron a tocar en distinguidos locales durante la llamada 
Gracias al auge de las emisiones radiofónicas y a sus grabaciones en directo desde el 
Gracias al jungle style, sus composiciones comenzaron a basarse más en sus raíces, su experiencia y su cultura afroamericanas. Decide ampliar el número de componentes de la orquesta, transformándola en una big band que alcanzaría la cumbre de su madurez artística y creativa entre los años 30 y 40. Es en esta época cuando compone temas que se han convertido en clásicos populares americanos, como "Mood Indigo", "Sophisticated Lady", "In a sentimental mood", "Solitude" y "Prelude to a kiss".
Comienza a componer temas más extensos como "Deep South Suite" o "New Orleans Suite" (quizás los mejores de su carrera, aunque no los más recordados). A pesar del declive de las big bands a principios de los años 40, Ellington fue el único que nunca disolvió su orquesta. Es en 1941 cuando se crea el tema estandarte de la big band: "Take the A train" compuesto por su inseparable amigo y arreglista 
Comienza a desvanecerse la popularidad de la banda debido a la huelga de grabación provocada por la 
La orquesta es invitada a participar en el 
En 1959 se adentró en el campo de la música cinematográfica y compuso la banda sonora de los filmes 
A partir de aquí, la edad comienza a pesar en los músicos que se unieron en los comienzos de la banda. Algunos de los más cercanos a Ellington, como Strayhorn y Hodges, fallecieron a finales de los 60 y principios de los 70, hechos que contribuyeron a que el Duque se dedicara a escribir suites y concentrara sus esfuerzos en la música sacra. Recibe reconocimientos fuera de las fronteras americanas, siendo nombrado el primer músico de Jazz miembro de la Real Academia de la Música de Estocolmo.
Duke Ellington continuó trabajando hasta su fallecimiento en Mayo de 1974 debido a un cáncer. Su legado musical, según su biógrafo, se extiende a unas 2.000 composiciones escritas (aunque se estima que unas 3.000 más también sean de su creación sin poderlo certificar pues ni a Ellington ni a su personal les gustaba tomarse la molestia de preservar las partituras, principalmente porque ya las habían memorizado). Su contribución a la música incluye también ballets y shows musicales, conformando en general un estilo único y ecléctico que fundía el blues, el swing y todos los estilos musicales aportados por los músicos de su banda. 
A lo largo de su carrera se le pudo ver acompañando con su banda a personas tan influyentes en la música como 
El éxito de la banda se repitió en el país germano, encendiendo la popularidad del grupo en Europa. Tras este concierto, firmaron una gira promocional del disco por varios países europeos como Bélgica, Suiza, Francia y Alemania durante los últimos meses de 1991. De esta gira, cuyo nombre fue Senda 91 se grabó un directo bajo el mismo nombre. Las ventas de sus discos aumentaron considerablemente, confirmando el inagotable talento del grupo. Como dato muy significativo de la impresión causada en Europa, antes de comenzar la gira, Héroes del Silencio habían vendido 30.000 copias de Senderos de traición en Alemania, y un año después serían 250.000 copias las vendidas en este mismo país y 100.000 en Italia, récord absoluto para un grupo de rock español (con doble mérito si se tiene en cuenta que, como ya comentamos anteriormente, el idioma utilizado en sus canciones es el castellano).
Durante los tres primeros meses del año 1993, los componentes de la banda aragonesa se trasladan a Gran Bretaña para trabajar con el productor 
Dada la complejidad de los temas que iban a grabar, Juan Valdivia sugirió la idea de incorporar a un nuevo guitarrista para la gira del disco. Decidieron mandar una carta a un joven guitarrista y compositor que tanto Valdivia como el manager de lo Héroes del Silencio habían conocido en una fiesta privada en México. El chico tocaba en un grupo llamado "El Huitlacoche" . Su nombre era Alan Boguslavsky , un californiano que desde el comienzo de la gira pasaría a ser el quinto miembro oficial del grupo. Durante la grabación se puede apreciar la 
Este disco posee unos ingredientes fundamentales: un cantante con una voz poderosa y una personalidad subyugante, unas guitarras excepcionales y una correcta sección rítmica que dota al conjunto de una solidez envidiable. Además se aprecia una brillantez compositiva que redunda en unos temas nada obvios, unas letras perfectamente acopladas a la canción (apoyadas por esa voz tan personal) y un punto de misterio e inteligencia, sumado a la producción explosiva de Manzanera. El resultado fue el impresionante disco que vió la luz a mediados de 1993.
Pero no todo fue color de rosas para el grupo. El disco fue polémico para los fans del grupo, pues a pesar de encerrar la esencia poética de las letras de sus anteriores trabajos, el sonido era más crudo, más brutal, alejándose de lo comercial. La complejidad del disco disuadió a muchos de sus seguidores, pero ganaron nuevos adeptos. El trabajo de producción y marketing comienza a dar sus frutos. El primer sencillo, "Nuestros nombres" encontró gran apoyo por parte de la cadena especializada en música 
El tercer sencillo, "La Sirena Varada", fue presentado a principios de 1994. El vídeo se emitió repetidas veces en la MTV, y en Marzo vuelven a aparecer de nuevo en el programa de "Most Wanted" en Londres por expresa petición popular. En estas fechas se produce un suceso trágico en la vida de Bunbury pues su hermano es asesinado en las fechas de Semana Santa. Demostrando su enorme profesionalidad a pesar de este duro golpe, el grupo se dirige a México nuevamente para hacer una gira promocional durante seis semanas, que les llevó también a países como Argentina y Chile. Esta gira les sirve para darse a conocer por toda América y abrirse al mercado americano, aunque su consagración en este continente no llegaría hasta unos años más tarde. A finales de Junio regresan a Europa, donde tocan en festivales compartiendo escenario con leyendas del rock como 
Surgen nuevos problemas en el entorno. El no haber tenido descanso entre las giras de promoción de Senderos de traición y la grabación y gira de El espíritu del vino, unido a sus excesos con las drogas, a toda la presión mediática que rodeaba al grupo, a la muerte de Martín (road manager de la banda desde sus comienzos) y de Rafael(el hermano de Enrique), a los problemas y discrepancias económicas y empresariales con la compañía discográfica, al abandono de Pito (manager de toda la vida del grupo), etc, acaban por enrarecer el ambiente dentro del grupo. Todo esto hace que se replanteen hacia qué camino quieren seguir: acabar definitivamente con el grupo o tratar de hablar los problemas y seguir adelante. Afortunadamente (aunque no por mucho tiempo) y tras unas vacaciones, el grupo decide recluirse en un hotel-albergue sito en el Pirineo aragonés durante 2 meses para tratar de resolver sus diferencias. Es ahí donde surgen las ideas y comienzan a realizar las maquetas del que sería su último disco de estudio como grupo, el afamado Avalancha
Otras veces, solo la temática o el género de la película nos hacen inclinarnos a visualizarla sin ningún tipo de peros a cómo puede llegar a ser de buena (la última vez me pasó con Madagascar… creo que el doblaje al castellano es horroroso).
Allí, un cada vez más nervioso 
Trabajaban ambos a contrareloj, pues la película saldría en los cines solamente dos meses más tarde. ¡Y aún no habían conseguido prácticamente nada de la canción!
¡Click! ¡Faamp! ¡Click! La capucha metálica del zippo se abría, luego la piedra encendía el mechero, luego volvía a cerrar el zippo. Un co-productor escocés (Steve McLaughlin) que estaba en ese momento en la mesa de sonido decide grabarlo todo y samplearlo. Logra combinar el sonido del zippo, el de la guitarra de Clapton y el del piano eléctrico de Kamen. Varias ideas surgían alrededor de cómo mezclar los sonidos. Solo faltaba la letra.
por lo que Clapton y Kamen deciden enviarle el sonido sampleado a una de esas “llamas”, un gran amigo de Eric. Pronto, el tema musical fue recibido en una granja en Wiltshire (Inglaterra) por un músico que respetaba a Eric Clapton, más si cabe por sus aficiones en común (la BUENA música) y por la cercana pérdida de seres queridos. El amigo en cuestión era 
Pensó en los personajes de la película, en la estrecha relación que los unía. Pensó que esa estrecha amistad probablemente no sería expresada de forma real debido a la condición de “supermachos” de ambos personajes. Pero dos días más tarde, dio con la clave que le serviría para componer la canción. Cuando todo falle a tu alrededor, por lo menos habrá una persona que estará allí para animarte y consolarte…¡Y probablemente sea yo! (It´s probably me!)
Allí, el conjunto de artistas que se reunió fue sorprendente. A la batería, 
En 1970, Tim decide abandonar el grupo, harto de tocar en garitos nocturnos, por lo que Brian y Roger se deciden a buscarle un sustituto para las voces. No se fueron muy lejos, puesto que ese chico que les aconsejaba hizo una prueba y pasó, al cabo de los años, a ser una de las voces más prestigiosas y reconocidas del rock internacional. Efectivamente, estamos hablando del insustituible Freddie Mercury. Es entonces cuando nace Queen (Abril de 1970). Deciden hacer un casting para contratar a un bajista (nada de Operaciones Triunfo) y encontraron justo lo que necesitaban: el cuarto miembro del grupo sería John Deacon.
que se titularía “Queen”. Durante 1971, debutan como banda realizando conciertos por la zona Oeste de Inglaterra, donde versioneaban temas de sus grupos y cantantes favoritos, aderezados con temas de propia creación. En 1972, una productora local les consigue un contrato para grabar un single para la discográfica Trident (con las canciones "Keep yourself alive" y "Son and Daughter", publicando su primer album (el ya nombrado Queen) en Julio de 1973. Durante ese verano, realizan una gira por toda Inglaterra teloneando a 
Se decide la grabación del segundo album de la banda, titulado Queen II, en una época prolífica para ellos (5 de los once temas que forman el disco fueron compuestos por Freddie Mercury). El album sale a la venta en 1974, año en el que se vuelven a meter en los estudios de grabación para componer su siguiente album: 
Sheer Heart Attack (que contiene uno de los temas emblemáticos del grupo, "Killer Queen"). Este album comienza a despertar el mercado europeo de ventas del grupo y deciden incluso preparar su primera gira por América. Durante esta etapa se ven envueltos en graves problemas de royalties y pleitos con el que era su manager, por lo que las ventas de sus discos no les reportaron muchos beneficios.
El tema de presentación que propuso la banda fue “Bohemian Rhapsody” y tenía una duración de 6’23”. Antes de que la canción se lanzara oficialmente, Mercury le pasó el sencillo a un amigo (Kenny Everet) de una emisora (pues su representante, J. Reid, pensaba que la canción era demasiado larga para emitirla en las radios y creía que debían acortarla, a lo que la banda se negó, gracias a Dios…), con la condición de no ponerla todavía en la radio. Sin embargo, al locutor le gustó tanto (gracias Kenny, no sabes cuánto te lo agradecemos…) que no aguantó la tentación y la puso en antena unas 14 veces en dos días.
"Bohemian Rhapsody", que ha sido calificada como la mejor composición de rock sinfónico hasta ahora creada, entró en su primera semana en la posición 47 de las listas británicas. Sólo tardó cuatro semanas en llegar al número uno, del cual no se bajaría en las nueve siguientes. Con el éxito de la canción subiendo como la espuma, la banda quería copar todos los espacios posibles para promocionarla. Por eso decidieron crear un cortometraje que acompañara la canción. Contrataron al director de cine 
Pero este disco no solo lo formaba el tema "Bohemian Rahpsody". Mercury se mofaba de su anterior manager en el tema "Death on two legs" (por todo el dinero que les había robado) y también encontramos otro de los clásicos del grupo: "You are my best friend". Con el disco sonando en todo el mundo , vuelven a realizar una gira que les lleva por América, Japón y Australia.
Este disco aporta un nuevo clásico en su trayectoria, como es "Somebody to love" (excelentemente versionada por el grupo junto a 
consigue hacerse rápidamente con el disco de platino, gracias sobre todo a la composición de 2 temas que fueron pilares fundamentales en la trayectoria de esta banda británica: "We Will Rock You" y "We are the Champions" (¿a que a todos les suena este tema como colofón de cualquier evento deportivo?). La gira de este disco la acaban con 4 conciertos en el Reino Unido (tras estar un mes tocando por varios países europeos).
A finales de 1978, los 4 componentes regresan a los estudios para grabar Jazz, album que sale ese mismo año a la venta y con el que realizan una gira por Europa y Japón, 
de la cual saldrá la grabación de su primer disco en directo Live Killers (del cual la banda no se siente muy orgullosa pues no les gusta el sonido). En Jazz podemos encontrar varios temas importantes, como Fat Bottomed Girls y Bicycle Race.
resultando el album titulado The Game. Este album constituyó un hito en la historia de Queen, puesto que la canción Another one bites the dust se convirtió en el tema sencillo más vendido en el mundo. Play the game y Crazy little thing called love hicieron que el público se rindiera aún más si cabe y se postrara ante “la Reina”. Se comienza a vislumbrar una nueva etapa en el grupo, tal y como comentaba al principio. Cambia la estética. Ya no son tan glamourosos. Llega el cuero y la apariencia dura de Freddie.
Flash Gordon (de la que, por cierto, pocas cosas se salvan, entre ellas la banda sonora). El disco sale a la venta a finales de 1980 y, gracias a las ventas de esta banda sonora (compuesta íntegramente por Queen), el grupo entra en el libro 
publican su primer recopilatorio titulado Greatest Hits (junto con el que también sacaron un libreto de fotos y una colección de sus mejores videos musicales).
Poco después, en el año 1982, publican su siguiente disco, Hot Space del que se puede mencionar la colaboración en la letra y voces de David Bowie en el tema Under Pressure, así como una canción dedicada por Mercury a 
Tras tomarse un periodo breve de descanso, vuelven a la carga en 1984 con un nuevo album titulado The Works que contendrá nuevas joyas de la música moderna, como son Radio Ga Ga o 
I want to break free (con un fabuloso video en el que satirizaban una serie televisiva británica, disfrazados de mujer).
pero esto acaba por provocar ciertas desavenencias y distanciamientos en el grupo. Las dudas sobre una posible ruptura se disiparon cuando fueron solicitados para actuar en el concierto Live Aid de ese mismo año que se realizaba para intentar frenar una de las plagas más peligrosas para la humanidad: el 
pero que tuvo una gran acogida por parte de crítica y público: Los inmortales(Highlander). En Junio de 1986 editan el disco A kind of Magic con temas de la banda sonora de la película y otros inéditos. 
Ese mismo año, dan rienda suelta a un nuevo directo que se publica con el nombre de Live Magic (si, ya sé que el directo de Wembley es de 1986, pero esperáos un poco, coño, que se editó más tarde, qué prisas…)
Al año siguiente, en 1989, se publica el disco At the Beeb, compuesto por varios temas grabados en la BBC Radio One entre Febrero y Diciembre de 1973, y se edita un nuevo disco de Queen que llevaría por título The Miracle, con un Freddie Mercury en horas bajas pues comenzaba a ver la realidad de una misteriosa enfermedad que llevaba tiempo apagándolo. 
Temas como The invisible man o I want it All volvían a elevar a las legiones de fans de Queen. Tras la confirmación del diagnóstico de Sida, algo que el cantante no hizo público hasta justo el día antes de su fallecimiento, Freddie comenzó a mostrarse cansado. Y todo esto se veía reflejado en las letras de las canciones que componía, algo más sombrías que de costumbre. En ellas hablaba de un final cercano.
En el nuevo Lp destacan con gran fuerza tanto Innuendo (un nuevo intento de Bohemian Rhapsody en cuanto a composición) o These are the days of our lives, pero sobre todo The show must go on (con una poderosa fuerza en las voces de Mercury que me pone los pelos de punta…).
A finales de ese mismo año se publica el segundo disco de éxitos, Greatest Hits II y, poco después, el 23 de Noviembre de 1991, 
Freddie Mercury convoca una rueda de prensa en la que declara estar infectado por el virus del Sida, falleciendo al día siguiente rodeado de sus amigos y seres más queridos…
Ese mismo año, el 20 de Abril, se realizó un gran concierto en honor a Freddie Mercury en el mismo estadio (Wembley, Londres). Todas las entradas para ese concierto se vendieron en apenas 6 horas, sin haberse informado antes quiénes iban a participar en el mismo (lo que da una clave de lo que significaba la figura del cantante fallecido para miles de personas). 
Queen Rocks con los temas más movidos del grupo y un tema inédito dedicado en sentido homenaje a su compañero fallecido (No one but you- only the good die young).
En el año 1999 sale el último disco de Queen publicado hasta la fecha, Greatest Hits III, con temas no publicados previamente en sus recopilatorios, canciones del concierto benéfico en honor a Freddie Mercury, así como canciones del propio Mercury y de Brian May en solitario.
Posteriormente, Pick Withers también abandona la formación por motivos personales y rápidamente se busca su sustituto, y este no es otro que Terry Williams (que acababa de grabar la primera banda sonora firmada y tocada por Mark Knopfler, Local Hero). Además, se incorpora un saxofonista nuevo, Mel Collins (en el disco Extended dance play) y, poco después,se incorpora un segundo teclista, Tommy Mandel. A partir de aquí, los Dire Straits se encierran para grabar un nuevo album de estudio…
la idea original de "Money for Nothing" surgió de una conversación real entre dos trabajadores de una tienda de electrodomésticos y que Mark tuvo la oportunidad de escuchar. Se da el caso que estos veían por uno de los televisores del comercio un cantante famoso (¿en la MTV?). Los trabajadores se pusieron a hablar y criticar acerca de ese tipo, que no hacia nada, a lo máximo se lastimaba el dedo a fuerza de rascar su guitarra, aparecía por la tele, ganaba mucho dinero por casi ningún esfuerzo y sobretodo, lo que más les fastidiaba, es que tenía todas las chicas que podía desear a su alrededor. En cambio ellos, con interminables y largas jornadas de subir, bajar, montar y desmontar pesados electrodomésticos no eran más que dos completos anónimos que apenas podían sobrevivir y encima, ¡sin tías buenas!.
Proyecto de músico, cinéfago, poeta, amigo, enfermero... Un loco como tantos otros que andan por ahí (pero que respeta las libertades de los demás). Amigo de mis amigos, en ocasiones polémico y provocador. Si estás dispuesto a debatir, aquí te espero...
