Suite Deluxe nº 3: Radio Futura (el cambio de "La movida")

Después de varios meses sin publicar, vuelvo a las andadas en un nuevo formato de página que simboliza un pequeño cambio... Volvemos a abrir las puertas del majestuoso Hotel California para mostrar una nueva Suite Deluxe, esta vez con unos inquilinos que simbolizaron un gran cambio en la música que se publicaba en España junto a bandas como Loquillo y Los Trogloditas, Alaska y Los Pegamoides, Gabinete Caligari, Golpes Bajos, Toreros Muertos, etc...

Tras la etapa franquista, la transición llegó con los años ochenta. La sociedad trataba de desligarse de un yugo que los mantenía atenazados política y culturalmente, apareciendo nuevas formas de entender la cultura, las ideologías, la literatura, la música... Es en Madrid donde la llamada "Movida" comienza a tener su esplendor bajo el consentimiento de un alcalde del que aún muchos conservan gratos recuerdos: don Enrique Tierno Galván. A través de ensayos contenidos en su obra El miedo a la razón, apoyó la cultura marginal juvenil aparentemente alternativa para conseguir un claro y definido punto y aparte entre las costumbres franquistas imperantes y la recién nacida sociedad democrática.

Publicaciones como La Luna fueron baluartes del llamado "movimiento", ayudados en gran parte por programas televisivos como Si yo fuera Presidente o la famosa Bola de Cristal... Es en este último programa donde descubrí al que ha sido (y sigue siendo) uno de mis grupos predilectos: Radio Futura.

Sus primeros pasos los dan allá por el año 1979, auspiciados por el llamamiento de uno de los fundadores de la formación: Herminio Molero. A su convocatoria en el local de la calle San Fidel acuden numerosos músicos que querían formar parte de un nuevo grupo musical, aunque finalmente serían seleccionados dos jóvenes hermanos (Luis y Santiago Auserón, recién llegados de Paris, donde habían cursado estudios de Filosofía)), Javier Pérez Grueso (músico percusionista) y el guitarrista Enrique Sierra (de la formación Kaka de Luxe, auténticos pioneros del cambio radical de la música rock en castellano e injustamente poco reconocidos).

La música de Herminio Molero consistía principalmente en una fusión entre música electrónica y música tradicional española, Enrique Sierra aportaba su punto rock/punk y los hermanos Auserón aplicaban la teoría musical. Tras varios meses de ensayo deciden nombrar a la formación Radio Futura (tomando el nombre de una emisora pública italiana). En ella se incluyó como sexto miembro del grupo a Carlos Velázquez, apodado Solrac. Gracias a los contactos influyentes de Herminio Molero, en 1980 consiguen editar un disco al que llaman Música Moderna que incluía un éxito inesperado que los convirtió rápidamente en referentes de la movida (y en cuya portada no aparece Solrac, ya que fue vetado por la productora del disco al no dar la imagen que creían debía aparentar el grupo). La canción se llamaba Enamorado de la moda juvenil, que consiguió que promotores de todo el territorio nacional se los rifaran para conciertos (llegando a ser teloneros de Elvis Costello, entre otros...).

Tras este primer éxito fulgurante, los miembros del grupo se replantearon la definición del estilo y la actitud que debían adoptar como banda, lo cual motivó enfrentamientos entre sus miembros hasta el punto que su principal valedor, Herminio Molero, decide abandonar la formación junto a Javier Pérez Grueso. Radio Futura pasa a ser un cuarteto que, bajo la típica formación de guitarra, voz, bajo y batería, consiguen construir nuevas canciones que sentarían las bases de un estilo particular y reconocible, siendo precursores en España del llamado "Rock latino"...

A finales de 1981, la banda cuenta con numerosas maquetas que son pinchadas en radiofórmulas y tocadas en sus cada vez más numerosos conciertos. Entre ellas, un single destaca por encima de los demás: La Estatua del Jardín Botánico cuya cara B contenía la canción Rompeolas. Junto con el siguiente single Dance usted y la instrumental Tus pasos provoca un nuevo relanzamiento del grupo, que comienza a caminar hacia un rock más radical y experimental, una nueva fusión a medio camino entre el Funky y el Punk. A partir de 1982 comienzan a llenar en los conciertos por todá la geografía española...

El prestigio de la banda aumenta a pasos agigantados y deciden tomar la carretera y multiplicarse en conciertos, una forma de vida que inspiraría nuevos temas para sus siguientes discos. De hecho, varias de las nuevas canciones que se cantaban en los directos no habían sido editadas previamente en disco, pero la radio emitía grabaciones y el público las conocía perfectamente y no paraba de tararearlas o cantarlas. A finales de 1983 llegan a un acuerdo con la discográfica Ariola y a comienzos de 1984 editan su siguiente disco: La ley del desierto, la ley del mar.

El disco presenta dos partes bien diferenciadas. La ley del desierto, con 6 temas (uno de los cuales , Escuela de calor, se presenta en dos versiones) de sonidos duros y áridos. La ley del mar, con otras 6 canciones que poseen un toque fresco y más latino (entre las que destaca sobremanera la espectacular Semilla negra). Hay que destacar que en la versión de casette se incluirían posteriormente dos nuevos temas (Duda y Dub)

Las previsiones de ventas fueron superadas ampliamente, convirtiendo este disco en un éxito de ventas... Pero el éxito va haciendo mella en la relación de los componentes del grupo, que caen embriagados en brazos de las juergas...

Las canciones compuestas en carretera seran la base para la grabación del siguiente disco, marcado por las urgencias del grupo en editar el nuevo material. Se encierran en una casa en El Escorial, donde realizan una maqueta con 8 canciones delas que, posteriormente, desecharían 2. Posteriormente, viajarían a Londres donde trabajarían en esas canciones y otras cuatro que, hasta llegar allí, no habían tocado todos los miembros del grupo juntos...

Y así es como nace en 1985 el excelente De un país en llamas, que según muchos críticos musicales sea el álbum más arriesgado que haya hecho jamás un grupo español, cargado de innovaciones tecnológicas y un sonido más "barroco". Posteriormente, deciden contar con la guitarra de Raimundo Amador para realizar una remezcla de Semilla Negra con la que consiguen un éxito, no solo en España, sino también a nivel internacional. Comienzan las desavenencias por el estilo al que se quiere llegar y es Solrac el que tira la toalla (él apostaba por un sonido más rockero, mientras que el resto prefería caminar por el sonido latino).

De esta forma, el grupo precisa de un nuevo batería especialista en estilos "latinos" (que será Carlos Torero) y además necesitaran de un teclista (Pedro Navarrete). Con ellos tienen el propósito de grabar un nuevo disco para el año 1987, por lo que deciden viajar a New York a finales del año 1986 para grabar un disco totalmente opuesto al anterior: un disco con la mínima tecnología de por medio y usando el sonido puro y limpio de los instrumentos. Para ello contrataron al percusionista cubano Daniel Ponce y a toda una sección de viento (los Uptown Horns). El disco se llamará La canción de Juan Perro. Es a principios de 1987 cuando nos dejan una perla extraída de las grabaciones de este disco: 37 grados, una de las mejores canciones del rock en castellano...

El disco no parecía convencer a la crítica, pero en palabras de los componentes del grupo es con el que se han quedado más satisfechos, amén de que esté considerado actualmente como el mejor disco de la formación.

Es el momento álgido del grupo, pero empiezan a aparecerle nuevas piedras en el camino... El guitarrista Enrique Sierra enferma del riñón y es ingresado en un hospital, por lo que el grupo se ve obligado a contratar a un nuevo guitarrista, que será Javier Monforte (que permanecerá en el grupo a pesar de que Enrique volvió a la formación en 1988, una vez recuperado de sus dolencias)... Poco tiempo después, Carlos Torero abandona el grupo y Óscar Quesada pasa a ser el nuevo batería.

Tras unos meses en el dique seco, deciden grabar una versión de su tema La negra flor en clave de rap como homenaje a las conocidas Ramblas de la ciudad de Barcelona, llamándola Paseo de la negra flor. Y es a mediados de 1988 cuando obtienen el acuerdo con la compañía para grabar el que sería su único directo (realizado a finales de Octubre, en dos conciertos ofrecidos en Valencia). El disco saldría a comienzos de 1989 bajo el título Escueladecalor, que finalmente sería editado en formato de doble disco con solo once temas incluídos entre ambos...

Con motivo del décimo aniversario del lanzamiento de Música Moderna, el grupo se lanza a dar una serie de giras por toda España. Tras una recaída en la enfermedad de Enrique (que volvería al grupo poco después) deciden contratar al guitarrista Ollie Halsall. Javier Monforte no continúa. Óscar Quesada no renueva con el grupo y es sustituído por Antonio Vázquez a la batería.

Y es con este quinteto (Santiago, Luis, Enrique, Ollie y Antonio) con el que el grupo vuelve a los estudios de grabación entre Noviembre de 1989 y Enero de 1990, grabando un álbum de corte "acústico" que se llamó Veneno en la piel. Diez temas (entre ellos una versión acústica de la canción que da título al disco) a los que, posteriormente, se les uniría un nuevo single no incluído en el disco titulado La ronda del colgado. La gira promocional del disco fue la más elaborada, realizando macroconciertos por todo el país (algo que no agradaba a los miembros de la banda, que preferían ambientes más íntimos). Discrepancias con Ariola hicieron que el grupo tuviera que cumplir con el compromiso de firmar un nuevo disco, a pesar de que ellos creían que su etapa como grupo había finalizado (Santiago auserón quería grabar un disco junto a su amigo Kiko Veneno).

El 30 de Septiembre de 1990 se pone fin a una larga trayectoria de directos (unos 439 conciertos en once años de vida del grupo) y tras dos años deciden poner punto y final al contrato con la discográfica publicando Tierra para bailar, un disco donde incluirían versiones de 6 de sus temas más conocidos, así como dos canciones nuevas (El puente azul y una versión de la canción Tierra de Caetano Veloso). En este año fallecería Ollie Halsall, lo que supondría un enorme varapalo para el resto de los componentes de la banda.

De esta forma se pone punto y final al contrato y a la banda. Poco después, a finales de 1992, se editaría una caja con todos los álbumes del grupo en Cd, incluyendo el inédito Rarezas (un disco con 15 canciones que incluía grabaciones de conciertos y de las primeras sesiones, así como algún tema inédito que el grupo habría tocado a veces en los directos).

Más tarde, en 1998, apareció en el mercado el disco Memoria del porvenir, que incluiría versiones de los 16 temas más conocidos de la trayectoria del grupo. Y en 2003 aparece Caja de canciones, una caja con la edición de los álbumes del grupo en formato mini-LP que incluiría modificaciones en dos de los trabajos (sustituyendo canciones en el directo Escueladecalor y en el recopilatorio Tierra para bailar).

En 2004 apareció la última de las entregas relacionadas con este mítico grupo, bajo el nombre de Paisajes Eléctricos 1982-1992 que incluiría dos discos de música y un DVD con todos los videoclips y varias actuaciones en TVE.

A finales de ese mismo año, varios artistas (y otros no tanto) del panorama rock (y también ñoño) del país decidieron realizar un homenaje al grupo con la edición del llamado Arde la calle-Un tributo a Radio Futura, con excelentes versiones en algunos casos (insuperables Fito, Calamaro, Rosendo y Bunbury...) y otros que no se podrían escuchar (ni falta hace que los nombre...) de varios temas de la formación...

No quiero extenderme sobre el resto de proyectos que han realizado los distintos componentes de la banda, con mayor o menor éxito... Solo decir que me quito el sombrero ante la locuacidad y las letras del gran Santiago Auseron (en solitario bajo el pseudónimo de Juan Perro) y que procuraré no perderme la nueva presentación que hará con la formación Las Malas Lenguas, compartiendo cartel con su hermano Luis y versioneando temas clásicos del Rock n´ Roll... Pero de eso ya les haremos una entrega tanto el maestro Yeyo como yo, puesto que el día 22 de este mismo mes apareceran por nuestra ciudad para deleitarnos con su excelente sonido...

Así que sin más me despido de todos vosotros... Espero que la extensión del artículo no les aburriera sobremanera (pensé en hacer dos artículos, pero ¿quién puñetas está en dos habitaciones de un Hotel al mismo tiempo?...jejeje...) También deseo que la decoración con la historia de este grupo haya sido de su agrado y que me hagan las preguntas que estimen oportunas sobre la banda...

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Habitación nº103 del Hotel California: Los Lonelyboys (Los Lonelyboys)

Bienvenido una vez más, viajero itinerante de la música, a la apertura de una nueva habitación del majestuoso Hotel California. Esta habitación está dedicada al album de debut de una joven banda del sur de los Estados Unidos que presentan un sonido delicioso, mezcla de blues y rock melódico. Estoy hablando de Los Lonely Boys...

Este trío musical es un ejemplo de cómo se debe empezar desde cero. Con un estilo musical que mezcla el rock "tex-mex" con pinceladas de blues armónico, soul, country y tejano, han conseguido llegar a la cima del Billboard consagrándose como uno de los mejores grupos del añoñ 2005. La banda está formada por los hermanos Garza, tres jóvenes talentosos con edades comprendidas entre los 21 y los 25 años.

Henry, el mayor de todos, es el encargado de la guitarra, con un estilo adecuado al floreciente rock latino (cuyo pionero lo encontramos en el maestro Carlos Santana). Este joven guitarrista ha sido aclamado como el heredero natural de la tradición del sonido tejano que ha sido personificado por ilustres guitarristas de la talla de Freddie King, Johnny Winter y los hermanos Steve Ray y Jimmy Vaughan (y esto ya es mucho decir de su calidad...).

Jojo (Joey) es el siguiente en edad. Comenzó tocando la guitarra antes de cambiarla por el piano y posteriormente dedicarse al bajo. Por último, Ringo, que es el más joven de los hermanos. Ni qué decir tiene el instrumento que toca (el musical, quiero decir...jejeje...) Su padre, gran visionario del potencial musical de su prole, le puso el nombre en honor a uno de sus ídolos musicales de juventud (el recordado Ringo Starr, de los Beatles).

El padre de los hermanos Garza era un músico algo conocido en los circuitos musicales de Texas. Tocaba en una banda que mezclaba diferentes ritmos entre country, tejano, rock, folk y blues con varios de sus familiares. Pronto, empezó a enseñarle a sus tres chicos el gusto por la música, compartiendo escenario con ellos cuando aún eran adolescentes. Fanático de los Beatles, versioneaban temas de la mítica banda londinense en los "bolos" que hacían en los diferentes garitos de San Angelo (Texas, U.S.A.).

Debido a diversas diferencias con los compañeros de grupo, el patriarca decide seguir su carrera musical en solitario acompañándose de sus hijos a los que les enseñó a tocar los instrumentos musicales desde que apenas tenían conocimiento (al más pequeño le regaló la batería cuando apenas contaba con tres años de edad). Incluso perfeccionó sus enseñanzas con las técnicas de los grandes clásicos de la música (sus propias influencias como Santana, Steve Ray Vaughan, Freddie King y otros grandes). Acomienzos de los años 90, se trasladaron hasta Nashville, donde comenzaron a probar fortuna en distintos locales.

Durante esta época, el talento de los tres hermanos comenzaba a dar sus frutos en forma de primeras composiciones que en cierta forma no se adaptaban al repertorio de su progenitor, por lo que de forma amistosa y sin apenas darse cuenta, salieron del regazo paterno y decidieron hacer su primera actuación en Atlanta. Pero las cosas no les fueron demasiado bien, así que decidieron volver a Texas.

Fue alí donde se consolidaron como trío y aumentaron su reputación como una de las bandas con mejor directo del exigente circuito del SouthEast americano. Sus años de estudio de las grandes estrellas del rock y el blues pronto comenzaron a dar sus frutos, desarrollando y potenciando aún más sus habilildades vocales y compositoras. A uno de esos conciertos asistió Willie Nelson, que se quedó prendado con la capacidad artística de estos jóvenes. Sin dudarlo, decidió invitarlos a sus estudios Pedernales de grabación, para grabar la maqueta del que sería su primer disco, titulado homónimamente Los Lonely Boys. Los derechos de la publicacaión y distribución de la grabación los adquirió la compañía Epic, que lo lanzó a la venta el 20 de Marzo de 2004. Su primer single, Heaven, se convirtió rápidamente en éxito, alcanzando el nº1 del Billboard americano (la exigente lista de hits). Poco después, durante la gala de celebración de los Grammy´s 2005, esta misma canción consiguió el galardon de mejor interpretación vocal de dúo o grupo (y créanme si les digo que nos ni mucho menos la mejor canción del disco). Gracias al auge mediático que comenzaban a adquirir, una de las grandes empresas de bebidas refrescantes, Pepsi, los ha firmado como estandartes de su campaña de promoción durante este año en los U.S.A.

En lo que se refiere al disco en sí, cabe destacar la cuidada selección de los temas (doce en total), con una mezcla suave de distintos estilos que hacen que no sea un disco cargado. Es fácil de escuchar y en él se pueden descubrir temas que enganchan por su melodía vocal o por el riff de la guitarra. Las voces se acoplan perfectamente (cantan los tres hermanos) y el sonido es bastante bueno, con deliciosos solos instrumentales. Los textos son mezclados la mayor parte de ellos en Spanglish (algunas letras podrán sonar raras a la primera escucha, por los errores gramaticales al cantar en castellano, pero como son americanos a lo mejor les importa bien poco, jejeje...) Sería difícil tener que elegir una de las canciones. pero si tuviera que hacerlo, me quedaría con Señorita (el tema que abre el disco) o con Nobody else.

Como curiosidad les dejo el dato de que estos chicos ya han teloneado a varios de los grandes (Willie Nelson y Carlos Santan entre otros) y lo seguiran haciendo en los próximos conciertos de la nueva gira de los incombustibles Rolling Stones (además de haber participado en el último festival Crossroads, ahí es nada...)

Los Lonely Boys

Fecha de salida:
30.03.2004

Canciones y duración de las mismas:
1. Señorita (4:10)
2. Heaven (3:47)
3. Crazy Dream (4:47)
4. Dime mi amor (3:26)
5. Hollywood (4:16)
6. More than love (3:20)
7. Nobody else (4:42)
8. Onda (8:55)
9. Real emotions (4:04)
10. Tell me why (3:24)
11. Velvet sky (4:41)
12. La contestación (3:15)

Pues hasta aquí hemos llegado con la decoración de esta nueva habitación de esta planta de nuestro Hotel. Espero, como siempre, que les haya gustado... Si aún no conocían al grupo, les aconsejo que le den una oportunidad... Quedaran gratamente sorprendidos... Así que espero vuestras opiniones (a los que han tenido la suerte de haber escuchado el disco) o comentarios al respecto... Pronto, nuevas habitaciones del hotel seran abiertas (le toca el turno a una Suite Deluxe, jejeje...) Espero que la visita fuese de su agrado... Hasta pronto...

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Habitación nº 003 del Hotel California: Is this love? (Bob Marley)

Bienvenidos una vez más a la apertura de una de las habitaciones musicales del fabuloso Hotel California. En este caso, la decoración llega de la mano de uno de los embajadores de la música reggae (quizás el más importante junto a Peter Tosh y Jimmy Cliff) y de Jamaica en todo el mundo. Evidentemente, estoy hablando del mítico Robert Nesta Marley, Bob Marley.

En esta habitación tienen cabida una de las grandes composiciones del genio musical de los rastafaris. Una canción muy peculiar que llegó a eclipsar las emisoras de radio desde su salida. Una canción que, de no llegar a ser por una mujer...nunca hubiera existido...

Esa mujer era Rita Anderson, la mujer a la que Bob Marley consideraba la "primera y la única" (a pesar de darse el lote con cualquiera que se le pusiera por delante, llegando a tener incluso hijos con alguna de ellas además de los 8 que tuvo con Rita). Por aquel entonces, las discográficas mantenían la vena machista ponderante en la sociedad y aconsejaron a Bob Marley que no comentara nada sobre su matrimonio con Rita ya que podría influir en las ventas de sus discos.

Mucho sufrimiento para una joven que también pagó a Bob Marley con la moneda de la infidelidad en alguna ocasión, pero que ha sabido mantener a través de los años el legado de su marido (por el que se pelearon muchas personas acusándola de quedarse con material que no le pertenecía del catálogo musical de su marido).

Pero centrémonos en las canciones. Rita era una de la jóvenes que participaban en los coros de la nueva banda que habían formado Marley con unos amigos suyos (Tosh y compañía): la banda era los Wailing Wailers y las coristas comenzaban a ser conocidas como las I-Three. Una de las tantas noches de ensayo previas a los conciertos, Bob y rita cantaban juntos... uno frente al otro... Unieron sus miradas, sus manos y mientras cantaban...fundieron sus labios sin dejar de cantar, como si se estuvieran dando oxígeno mutuamente (según describe la propia Rita Marley en su libro No Woman No Cry)... Mientras esto ocurría, por las mentes de los dos jóvenes circulaba una pregunta: ¿Es esto amor?. Fue así como la poética de Marley arrancó las primeras estrofas del estribillo de la ahora famosa canción Is this love. Esta canción fue incluída en el disco Kaya publicado en 1978, dejando otro éxito en forma de single llamado Satisfy my soul

Is This Love (1977)

I wanna love you and treat you right
I wanna love you every day and every night
We'll be together with a roof right over our heads
We'll share the shelter of my single bed
We'll share the same room, Jah provide the bread

Is this love, is this love
Is this love, is this love that I'm feelin'?
(Bis)

I wanna know, wanna know, wanna know now
I got to know, got to know, got to know now

I, I'm willing and able
So I throw my cards on your table
I wanna love you
I wanna love and treat you right
I wanna love you every day and every night
We'll be together with a roof right over our heads
We'll share the shelter of my single bed
We'll share the same room, oh, Jah provide the bread

Is this love, is this love,
Is this love, is this love that I'm feelin?
(Bis)

Oh, yes I know, yes I know, yes I know now. (Repeat)
I, I'm willing and able
So I throw my cards on your table
See, I wanna love you
I wanna love and treat you right, love and treat you right
I wanna love you every day and every night
We'll be together with a roof right over our heads
We'll share the shelter of my single bed
We'll share the same room, Jah provide the bread
We'll share the shelter of my single bed.

Pronto abriremos otra de las habitaciones del Hotel California... Espero que se hayan encontrado a gusto (jejeje...) en esta modélica habitación donde el aroma a pasión (¿?) se respira por los cuatro costados... Espero volver a verlos pronto...

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Suite Deluxe nº2: Edward Kennedy Ellington (el Duque del Jazz)

Bienvenidos, estimados visitantes, a una nueva Suite Deluxe de nuestro elegante Hotel California. En esta ocasión les propongo adentrarse en la habitación reservada al que es considerado uno de los más grandes compositores musicales de la historia y el más grande creador de música Jazz de todos los tiempos (junto a Louis Armstrong y Charlie Parker), el gran Duke Ellington.

Nacido en Abril de 1899 (Washington D.C.) en el seno de una familia de clase media (su padre, James Edward Ellington, era mayordomo en la casa de una familia adinerada y su madre, Daisy Kennedy Ellington, procedía de una familia negra acomodada). Como todos los grandes genios de la historia, le resultó muy difícil aprender a leer música a pesar de los esfuerzos de sus padres, que le pagaron dos buenos profesores para enseñarle a tocar el piano cuando tenía la edad de 7 años. Durante su adolescencia se dedicó a vender frutos secos en partidos de baseball (deporte del que era un gran aficionado). A la edad de 14 años, comenzó a frecuentar unas salas de billar cercanas a su hogar, que le enseñó a valorar el hecho de mezclarse entre gentes de diferentes estilos de vida y comenzó a escuchar música tocada en directo en el piano del local. Debido a su elegante porte aristocrático y a su educación "burguesa", sus amigos comenzaron a apodarle el duque.

Tras acabar sus estudios escolares, decide dedicarse a estudiar en una escuela de diseño y decoración (la Armstrong Manual Training School). En uno de sus periodos vacacionales, Duke se quedó maravillado tras escuchar a un pianista llamado Harvey Brooks. Decide marchar a Philadelphia en busca de Brooks, convirtiéndose en su alumno durante las vacaciones. Allí, Harvey Brooks le instruye en diversos trucos para el piano, comenzando la carrera musical del que sería conocido como Duke Ellington.

Pococ después, de vuelta en Washington, es enviado con dos profesores de prestigio (Oliver "Doc" Perry y Louis N. Brown)que le enseñaron a leer la música y le ayudaron a mejorar su increíble talento natural como pianista. Comenzó a tocar en bares y locales por todo Washington D.C.. Tres meses antes de graduarse, decide abandonar sus estudios y comenzó a dedicarse exclusivamente a la música.

Fue a finales de 1917 cuando Ellington forma su primer grupo con otros cuatro músicos de la ciudad: The Duke Serenaders. En los siguientes años decide independizarse, se casa con Edna Thompson y compra su propia casa. Poco después, en 1919, nace su primer y único hijo (Mercer Kennedy Ellington). Duke decidió convertirse en el agente de su propia banda, logrando tocar por los locales de toda Washington D.C. y algunos del estado de Virginia. Además, durante este tiempo se une en ocasiones a la banda el mítico Elmer Snowden, junto a otros cinco cmponentes más, transformando el nombre de la misma: comienzan a ser conocidos como Duke Ellington and The Washingtonians.

En 1923 decide dar un impulso a su carrera y se traslada a Nueva York. Gracias a las retransmisiones radiofónicas de la época, comienza a ser un músico conocido en la ciudad, consiguiendo ese año sus primeras grabaciones. Comenzaron a tocar en distinguidos locales durante la llamada Ley Seca. En 1924, se unen a la banda grandes músicos como el clarinetista Sydney Beckett y el saxofonista barítono Harry Carney (considerado por los críticos como el primer gran especialista de este instrumento en la historia del Jazz).

Comenzaron a crear un sonido propio y distintivo de la banda, consiguiendo ser contratados en 1927 por el local de moda de la ciudad: el Cotton Club. Gracias al auge de las emisiones radiofónicas y a sus grabaciones en directo desde el Cotton Club (local regentado por el gangster Owney Madden), la fama del grupo se comenzó a extender por todo Estados Unidos. El club era visitado por la aristocracia y la élite de raza blanca (en el local no se le permitía la entrada a la gente de raza negra), por lo que le sugirieron a Duke Ellington que presentara sus shows con escenas cuasi-africanas, algo que consiguió creando un estilo único, el jungle style (estilo en el que predominaba la imitación vocal e instrumental de los sonidos africanos: aullidos, rugidos, etc... añadiendo los efectos de la percusión). Allí se mantuvieron por un periodo de 4 años.

Tras esta etapa que le reportó la gloria necesaria, Duke comenzó a experimentar y a desarrollarse como compositor y arreglista. Gracias al jungle style, sus composiciones comenzaron a basarse más en sus raíces, su experiencia y su cultura afroamericanas. Decide ampliar el número de componentes de la orquesta, transformándola en una big band que alcanzaría la cumbre de su madurez artística y creativa entre los años 30 y 40. Es en esta época cuando compone temas que se han convertido en clásicos populares americanos, como "Mood Indigo", "Sophisticated Lady", "In a sentimental mood", "Solitude" y "Prelude to a kiss".

A finales de los años 30, comienza una serie de conciertos anuales en el Carnegie Hall (el último jazzista que había actuado allí había sido el celebrado Benny Goodman), consiguiendo estrenar su primera obra larga ("Black, Brown and Beige")con un éxito arrollador. Comienza a componer temas más extensos como "Deep South Suite" o "New Orleans Suite" (quizás los mejores de su carrera, aunque no los más recordados). A pesar del declive de las big bands a principios de los años 40, Ellington fue el único que nunca disolvió su orquesta. Es en 1941 cuando se crea el tema estandarte de la big band: "Take the A train" compuesto por su inseparable amigo y arreglista Billy Strayhorn (que ya llevaba varios años con él en la banda).

A falta de contratos para actuar, Duke se las ingenió para pagar a sus músicos con los ingresos por sus derechos de autor. Comienza a desvanecerse la popularidad de la banda debido a la huelga de grabación provocada por la Segunda Guerra Mundial, al boicot de las cadenas radiofónicas y al cambio de los gustos musicales de la época (la aparición del bop). Tuvo difíciles años para aguantar la estructura de la banda, de la que se fueron algunos de sus miembros para continuar sus carreras en solitario (la más importante fue la de su gran amigo Johnny Hodges) a finales de los 40 y principios de los 50.

A mediados de los años 50, y después de continuar explorando nuevos sonidos que aportar a la orquesta, vuelven a unirse grandes músicos a su banda y regresa Johnny Hodges. La orquesta es invitada a participar en el Festival de Jazz de Newport de 1956, quedando un concierto irrepetible y confirmando la vuelta a la popularidad de un gran talento del Jazz. En escena expuso varios temas, pero en concreto 2 de ellos consiguieron que el público rugiera y se levantara de sus asientos: "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue". Al día siguiente, los titulares de la prensa no dejaban lugar a dudas: Duke Ellington ha vuelto. La grabación de este hito correspondió al sello discográfico Columbia, siendo rápidamente un superventas de la época (de hecho, de los cientos de discos grabados por Ellington con todas sus bandas, este es el más vendido con diferencia).

En 1959 se adentró en el campo de la música cinematográfica y compuso la banda sonora de los filmes Anatomy of a murder (Anatomía de un asesinato, Otto Preminger, 1959) y Paris Blues (Un día volveré, Martin Ritt, 1961). Durante la década de 1960 grabó con una larga serie de jóvenes músicos de gran talento como Charlie Mingus, John Coltrane o Max Roach. Además, es nombrado Doctor Honoris Causa por las Universidades de Howard (1963) y Yale (1967), recibiendo además el máximo galardon para un civil no militar: la Medalla Presidencial del Honor (1969).

A partir de aquí, la edad comienza a pesar en los músicos que se unieron en los comienzos de la banda. Algunos de los más cercanos a Ellington, como Strayhorn y Hodges, fallecieron a finales de los 60 y principios de los 70, hechos que contribuyeron a que el Duque se dedicara a escribir suites y concentrara sus esfuerzos en la música sacra. Recibe reconocimientos fuera de las fronteras americanas, siendo nombrado el primer músico de Jazz miembro de la Real Academia de la Música de Estocolmo.

Duke Ellington continuó trabajando hasta su fallecimiento en Mayo de 1974 debido a un cáncer. Su legado musical, según su biógrafo, se extiende a unas 2.000 composiciones escritas (aunque se estima que unas 3.000 más también sean de su creación sin poderlo certificar pues ni a Ellington ni a su personal les gustaba tomarse la molestia de preservar las partituras, principalmente porque ya las habían memorizado). Su contribución a la música incluye también ballets y shows musicales, conformando en general un estilo único y ecléctico que fundía el blues, el swing y todos los estilos musicales aportados por los músicos de su banda. A lo largo de su carrera se le pudo ver acompañando con su banda a personas tan influyentes en la música como Ella Fitzgerald, Mahalia Jackson (la mejor cantante de gospel de la historia) o Billie Hollyday, entre otros...

Espero que les haya gustado la decoración de esta habitación y que disfrutaran con este homenaje a uno de los grades genios de la música de todos los tiempos...¡Larga vida al Duque!

P.D.: Siento que la mayor parte de los enlaces están en inglés (por el que no lo pueda entender...)

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Habitación 102 del Hotel California: El Espíritu del vino (Héroes del Silencio)

En la 2ª habitación de la primera planta de nuestro Gran Hotel California, tenemos alojado un disco de culto para los amantes del rock en castellano. Se trata de El espíritu del vino (EMI, 1993) de la banda de rock española Héroes del Silencio. Odiados por sus detractores y, a partes iguales, alabados por sus fieles seguidores, Héroes del Silencio forman parte ya de la constelación de estrellas del rock europeo, con la dificultad que entrañaba el promocionar este estilo musical en lengua castellana (el propio Príncipe de Asturias les otorgó un premio por la difusión de la lengua española en la gira de este espectacular disco que los llevó por todos los países europeos que los encumbraron, siendo la primera vez en la historia que un miembro de la Casa Real española recibe a un grupo de rock en el Palacio de la Zarzuela). Pero, hagamos un pequeño repaso previo...

Tras la salida al mercado del disco Senderos de traición (EMI, 1990), la banda liderada por el inigualable Enrique Bunbury y compuesta además por Juan Valdivia, Joaquin Cardiel y Pedro Andreu se embarcó en una extensa gira por el territorio español recogiendo buenas críticas allí por donde pasaban. La fortuna quiso que un promotor alemán, que quería organizar un festival de rock en Berlin bajo el nombre de "Rock against Racism" (una protesta de celebridades musicales de varios países ante el resurgimiento del fascismo en Europa, y particularmente en la recientemente unificada Alemania), fuese invitado a escuchar a este talentoso grupo zaragozano en directo. Quedó complacido por lo que había visto e invitó al grupo a formar parte de un cartel al lado de nombres de gran prestigio en aquella época como Paul Young y Crowded House entre otros.

El éxito de la banda se repitió en el país germano, encendiendo la popularidad del grupo en Europa. Tras este concierto, firmaron una gira promocional del disco por varios países europeos como Bélgica, Suiza, Francia y Alemania durante los últimos meses de 1991. De esta gira, cuyo nombre fue Senda 91 se grabó un directo bajo el mismo nombre. Las ventas de sus discos aumentaron considerablemente, confirmando el inagotable talento del grupo. Como dato muy significativo de la impresión causada en Europa, antes de comenzar la gira, Héroes del Silencio habían vendido 30.000 copias de Senderos de traición en Alemania, y un año después serían 250.000 copias las vendidas en este mismo país y 100.000 en Italia, récord absoluto para un grupo de rock español (con doble mérito si se tiene en cuenta que, como ya comentamos anteriormente, el idioma utilizado en sus canciones es el castellano).

Llegaba el año 1992 y la banda volvió a realizar una gira por diversos países como Italia y Holanda (además de los mencionados anteriormente), consiguiendo colocarse en los números 1 de las listas de éxitos de varios de ellos (llegó a ser disco de oro en Alemania y Suiza). Las apariciones en importantes festivales se sucedían, llegando a actuar junto a artistas de la talla de The Cult, Pearl Jam, Elton John o Bryan Adams. Mientras los componentes del grupo iban gestando las canciones de su próximo disco, viajaron por primera vez a México, llegando a convertirse en un éxito apoteósico en cuanto a asistencia de público a los conciertos y a las ventas de discos (más de 175.000 copias). La vorágine se propagó por latinoamérica donde actuaron hasta finales de 1992.

Durante los tres primeros meses del año 1993, los componentes de la banda aragonesa se trasladan a Gran Bretaña para trabajar con el productor Phil Manzanera (ex Roxy Music, que ya había producido el ya nombrado Senderos de traición) en los estudios Gallery (Londres). Tras la grabación de los temas, la mezcla del sonido se realizaría en los estudios Metropolis de la misma ciudad. Con la publicación de El espíritu del vino se demuestra un cambio de criterio y de mentalidad presentando un disco musicalmente más complejo plagado de múltiples sonidos, matices y arreglos de instrumentos de lo más variados. Tanto es así que incluso se vuelven a introducir los teclados en algunos temas, concretamente el órgano Hammond y el piano, todos ellos grabados por un amigo, el zaragozano Copi. Además de esta colaboración, también el propio Phil Manzanera deja su huella a través de algunos acordes de guitarra.

Dada la complejidad de los temas que iban a grabar, Juan Valdivia sugirió la idea de incorporar a un nuevo guitarrista para la gira del disco. Decidieron mandar una carta a un joven guitarrista y compositor que tanto Valdivia como el manager de lo Héroes del Silencio habían conocido en una fiesta privada en México. El chico tocaba en un grupo llamado "El Huitlacoche" . Su nombre era Alan Boguslavsky , un californiano que desde el comienzo de la gira pasaría a ser el quinto miembro oficial del grupo. Durante la grabación se puede apreciar la gran influencia de grandes escritores en las composiciones tan particulares hechas por Enrique Bunbury (Charles Baudelaire en "Nuestros nombres" o "El camino del exceso"", William Blake en "Los placeres de la pobreza" y "El camino del exceso", el surrealismo de la generación del 27 en la ya nombrada "El camino del exceso" y el escritor de teatro Alejandro Casona en "La sirena varada") . Tras tres largos años de espera, sale a la venta el disco que hoy nos ocupa, El espíritu del vino, el 14 de Junio de 1993.

Este disco posee unos ingredientes fundamentales: un cantante con una voz poderosa y una personalidad subyugante, unas guitarras excepcionales y una correcta sección rítmica que dota al conjunto de una solidez envidiable. Además se aprecia una brillantez compositiva que redunda en unos temas nada obvios, unas letras perfectamente acopladas a la canción (apoyadas por esa voz tan personal) y un punto de misterio e inteligencia, sumado a la producción explosiva de Manzanera. El resultado fue el impresionante disco que vió la luz a mediados de 1993.
El Espirítu del vino es un album largo y denso, que cuesta escuchar, pero que luego no se puede evadir de la cabeza. Los 16 temas que encierra son de temática y estilos bien diferenciados, pero geniales en sí mismos. La mezcla de rock duro, pop, instrumentales y un poema cantado a capella ("Bendecida 2") lo hacen poco comercial pero atrayente. Tangencialmente distanciado con la música realizada en esos años en lengua castellana, sus letras son sublimes, poesía pura. Composiciones raras, poéticas, líricas, densas, cripticas... Pierden los ambientes épicos de Senderos de traición, pero a cambio ganan en influencias góticas.
El disco puede ser dividido en dos mitades; por un lado Oriente, que con canciones como "Flor de Loto", "El Refugio Interior" o "Bendecida" basa su fuerza en letras llenas de significado. Y del otro lado, Occidente con temas que engloban un Rock poderoso y bien tocado (sin duda demostrando que el Rock en castellano se podía realizar con clase y elegancia) como "Nuestros Nombres", "El Camino del Exceso" o "Los Placeres de la Pobreza".

Pero no todo fue color de rosas para el grupo. El disco fue polémico para los fans del grupo, pues a pesar de encerrar la esencia poética de las letras de sus anteriores trabajos, el sonido era más crudo, más brutal, alejándose de lo comercial. La complejidad del disco disuadió a muchos de sus seguidores, pero ganaron nuevos adeptos. El trabajo de producción y marketing comienza a dar sus frutos. El primer sencillo, "Nuestros nombres" encontró gran apoyo por parte de la cadena especializada en música MTV. Poco después, "La Herida" sale como segundo sencillo del disco en el mes de Septiembre. Tras su salida al mercado, rápidamente se encarama al nº 1 en la lista española. Pronto comienza la conquista de otros países como Alemania, Suiza o México, donde vuelve a convertirse en disco de oro. La gira promocional de este disco empieza en Mayo de 1993 en Portugal bajo el nombre de "El camino del exceso". Su fama comienza a eclosionar y extenderse por Europa para no volver a apagarse jamás.

Durante el resto del Verano Héroes del Silencio se presentó en varios festivales importantes, entre ellos "Rock Am Ring". En Otoño encaminaron una gira europea, la cual fue patrocinada por la MTV y fue un éxito rotundo. Además realizan una grabación acústica para el programa "Most Wanted" de MTV.

El tercer sencillo, "La Sirena Varada", fue presentado a principios de 1994. El vídeo se emitió repetidas veces en la MTV, y en Marzo vuelven a aparecer de nuevo en el programa de "Most Wanted" en Londres por expresa petición popular. En estas fechas se produce un suceso trágico en la vida de Bunbury pues su hermano es asesinado en las fechas de Semana Santa. Demostrando su enorme profesionalidad a pesar de este duro golpe, el grupo se dirige a México nuevamente para hacer una gira promocional durante seis semanas, que les llevó también a países como Argentina y Chile. Esta gira les sirve para darse a conocer por toda América y abrirse al mercado americano, aunque su consagración en este continente no llegaría hasta unos años más tarde. A finales de Junio regresan a Europa, donde tocan en festivales compartiendo escenario con leyendas del rock como Aerosmith en Finlandia y terminaron con una presentación en un festival suizo a mediados de Julio. Como colofón de esta gira, en Julio de 1994 sale a la venta una caja promocional en edición limitada bajo el nombre de Héroes del Silencio en directo que incluía un concerto en directo en el Palacio de los Deportes de Madrid grabado el 16 de Junio de 1993 en formato VHS, un libro con las biografías de los componentes del grupo y datos de la gira así como un Maxi single con versiones acústicas en directo de "Flor de loto", "Mar adentro" y "La herida".

A pesar de que este fue el disco de la consagración definitiva de Héroes del Silencio y que la gira supuso su lanzamiento definitivo al mercado latinoamericano y europeo, las relaciones personales entre sus componentes se van deteriorando cada vez más. Surgen nuevos problemas en el entorno. El no haber tenido descanso entre las giras de promoción de Senderos de traición y la grabación y gira de El espíritu del vino, unido a sus excesos con las drogas, a toda la presión mediática que rodeaba al grupo, a la muerte de Martín (road manager de la banda desde sus comienzos) y de Rafael(el hermano de Enrique), a los problemas y discrepancias económicas y empresariales con la compañía discográfica, al abandono de Pito (manager de toda la vida del grupo), etc, acaban por enrarecer el ambiente dentro del grupo. Todo esto hace que se replanteen hacia qué camino quieren seguir: acabar definitivamente con el grupo o tratar de hablar los problemas y seguir adelante. Afortunadamente (aunque no por mucho tiempo) y tras unas vacaciones, el grupo decide recluirse en un hotel-albergue sito en el Pirineo aragonés durante 2 meses para tratar de resolver sus diferencias. Es ahí donde surgen las ideas y comienzan a realizar las maquetas del que sería su último disco de estudio como grupo, el afamado Avalancha

Como anécdotas destacables de la edición de este disco, podemos apuntar que su versión en cassette distribuída en España no contiene los temas "La apariencia no es sincera" ni "El refugio interior". Destacar también que el libreto de canciones del interior, además de contener las letras en castellano, está traducido al inglés (para mejorar la comprensión de las letras en el extranjero). Los símbolos encerrados en ese libreto son obra de los componentes del grupo y del dibujante Pedro Delgado. La canción "Flor de loto" está dedicada a una niña nepalí que apadrina el propio Enrique Bunbury. Las canciones "Bendecida" y "Bendecida 2" de este disco fueron dedicadas a Benedetta Mazzini, la novia (por aquel entonces) del cantante.

El espíritu del vino

Fecha de salida:
14.06.93

Canciones y duración de las mismas:
1. Nuestros Nombres (5:57)
2. Tesoro (2:19)
3. Los Placeres de la Pobreza (4:59)
4. La Herida (6:54)
5. La Sirena Varada (4:15)
6. La Apariencia No Es Sincera (7:03)
7. Z (0:51)
8. Culpable (6:04)
9. El Camino Del Exceso (5:36)
10. Flor De Loto (6:15)
11. El Refugio Interior (1:34)
12. Sangre Hirviendo (5:12)
13. Tumbas De Sal (4:33)
14. Bendecida 2 (0:36)
15. Bendecida (5:59)
16. La Alacena (3:40)

Espero que les haya gustado la decoración de esta habitación (si habéis llegado hasta aquí, he de suponer que sí). Próximamente, nuevas aperturas de habitaciones del Hotel California (con la biografía de un maestro del jazz). Permaneced atentos.

Si alguien desea más información acerca de todo lo relacionado con Héroes del Silencio, les pongo este enlace pues me ha parecido el más completo. En este otro también podéis disfrutar del mejor grupo de rock español de la historia (según los críticos).Espero vuestros comentarios, correcciones y apuntes sobre este disco. Hasta pronto.

COMENTARIO AÑADIDO:

Accediendo a la petición de un grupo de amigos que me han escrito desde el exilio les dejo su enlace para que disfrutéis de noticias relacionadas con Héroes y todos sus componentes en general y de paso les invito a la charla que tienen prevista con Alan Boguslavsky en este mes de Septiembre...

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Habitación 002 del Hotel California: It´s probably me! (Eric Clapton, Sting, Michael Kamen)

Queridos visitantes, bienvenidos a la apertura de una nueva habitación de nuestro lujoso Hotel California. En esta ocasión tenemos instalado una canción elucubrada por el ingenio y la calidad de varios artistas de renombre. El tema lleva por título: It´s probably me!.

Muchas veces se dice que una película ha tenido una actuación decente (en casos extremos, horrorosa) cuando al salir de la misma nos quedamos algo indiferentes o, peor aún, la película no se acerca si quiera a cumplir parte de las expectativas puestas en ella. Ciertamente, si solo nos fijamos en que el protagonista o el director es mengano y en que por eso hemos decidido ir a ver la película, podemos llevarnos un gran chasco en la butaca.

Otras veces, solo la temática o el género de la película nos hacen inclinarnos a visualizarla sin ningún tipo de peros a cómo puede llegar a ser de buena (la última vez me pasó con Madagascar… creo que el doblaje al castellano es horroroso).

La fotografía o el vestuario no suelen ser muy atrayentes para los simples mortales de a pie (excluyamos a jurfendu y a alguno más) a la hora de visionar una película. Pero hay veces también en que la sutileza de una banda sonora decente nos transporta a otro mundo imaginario mientras ves las escenas que pasan ante tus ojos. Si las piezas musicales encajan en la historia contada, todo parece diferente (a pesar de que corremos el riesgo de ver un bodrio de película porque lo que estamos escuchando nos atrae con fuerza).

Llegados a este punto, me gustaría hablarles del tema que nos ocupa en esta habitación del glorioso Hotel California: It´s probably me!.

Corría el año 1992. Desde comienzos de ese año se rodaba la tercera parte de una trilogía (no, no es la Guarra de las galaxias…jejeje), que comenzó muy bien (como entretenimiento) allá por el año 1987. Nos referimos a Arma Letal, en concreto, a su tercera parte.

No voy a pararme a comentar sobre los actores (Mel Gibson, Danny Glover, Joe Pesci o René Russo entre otros), pero sí en lo que ocurría en los estudios de grabación de SARM West de Londres. Allí, un cada vez más nervioso Eric Clapton encendía su enésimo cigarrillo con un zippo metálico enfrentado a un micrófono de la sala de grabación. Sentado en una butaca y con su nueva guitarra electroacústica Ramirez, Clapton paseaba sus dedos evocando los acordes de las bandas sonoras de las anteriores películas de esta famosa saga de acción, tratando de encontrar esa suerte de inspiración para realizar el tema principal de la película.
Al otro lado de la pecera se encontraba Michael Kamen, que desgranaba ideas sobre cómo debería de soar la canción. Trabajaban ambos a contrareloj, pues la película saldría en los cines solamente dos meses más tarde. ¡Y aún no habían conseguido prácticamente nada de la canción!

¡Click! ¡Faamp! ¡Click! Contínuamente, Eric encendía cigarrillos, nervioso. El sonido del zippo envolvía la sala, que se encontraba en silencio. Como la creatividad, la amistad es una súbita chispa que nos conforta, por lo que debemos protegerla y apreciarla. Las posibilidades nos dan las oportunidades necesarias. Y el cuidado mantiene la luz de esa chispa. Clapton continuaba tocando los acordes del tema principal de Arma Letal en tonos bluesy, examinando la pauta a seguir por la melodía, al tiempo que Kamen extraía algunas notas a su órgano musical (me refiero al piano, malpensados…)

¡Click! ¡Faamp! ¡Click! La capucha metálica del zippo se abría, luego la piedra encendía el mechero, luego volvía a cerrar el zippo. Un co-productor escocés (Steve McLaughlin) que estaba en ese momento en la mesa de sonido decide grabarlo todo y samplearlo. Logra combinar el sonido del zippo, el de la guitarra de Clapton y el del piano eléctrico de Kamen. Varias ideas surgían alrededor de cómo mezclar los sonidos. Solo faltaba la letra.

La inspiración no les bendecía en esos momentos de urgencia, por lo que Clapton y Kamen deciden enviarle el sonido sampleado a una de esas “llamas”, un gran amigo de Eric. Pronto, el tema musical fue recibido en una granja en Wiltshire (Inglaterra) por un músico que respetaba a Eric Clapton, más si cabe por sus aficiones en común (la BUENA música) y por la cercana pérdida de seres queridos. El amigo en cuestión era Gordon Matthew Summoner, conocido por el sobrenombre de Sting.

Clapton había encontrado consuelo en el album The Soul Cages, inspirado en el fallecimiento de los padres de Sting. Este, por su parte, tuvo sensaciones parecidas tras escuchar el tributo de Clapton a su hijo Conor (fallecido trágicamente) en la canción "Tears in Heaven".

Sting cogió los auriculares y se dedicó a escucharlo todo, pero lo que más le llamó la atención fue el sonido rítmico del zippo, como si fuese percusión. Escuchó atentamente los acordes de la guitarra y se puso a trabajar en la composición de unos acordes que sirvieran de unión. Pronto se puso a componer una letra que pudiese haber compuesto el propio Clapton, que sonase a Clapton. Pensó en los personajes de la película, en la estrecha relación que los unía. Pensó que esa estrecha amistad probablemente no sería expresada de forma real debido a la condición de “supermachos” de ambos personajes. Pero dos días más tarde, dio con la clave que le serviría para componer la canción. Cuando todo falle a tu alrededor, por lo menos habrá una persona que estará allí para animarte y consolarte…¡Y probablemente sea yo! (It´s probably me!)

Una vez terminada la composición, se la envió a Eric y Kamen. Rápidamente, Clapton lo llamó y le dijo: ¿Puedes cantar esto?.

Días más tarde, Kamen lo arregló todo para que se reuniesen en los estudios de BMG de la Sexta Avenida en Manhattan, USA. Allí, el conjunto de artistas que se reunió fue sorprendente. A la batería, Steve Gadd. Don Alias en la percusión. David Sanborn en el saxo. Michael Kamen a los teclados. Eric Clapton a los coros, guitarra eléctrica y electroacústica. Y Sting al bajo y voces solistas. Les acompañaban en el estudio la Greater New York Alumni Orchestra. Durante la grabación del sonido, se encontraba presente el director de la película, Richard Donner, que aprovechó para grabar el video musical que acompañaría la canción.

En entrevistas realizadas posteriores a la salida de la banda sonora, Kamen reflexionó sobre la idea del zippo. Le pareció genial que se utilizara en una canción para una banda sonora de una película donde el protagonista estaba tratando de dejar de fumar. Clapton quedó maravillado con el resultado. Y Sting comentó que todos y todo (incluído el zippo) ayudaron en la confección de la canción, que terminó ajustándose perfectamente a lo que se requería de ella.

Sobre lo demás (si es buena o no) debemos decidir cada uno. Para Sting, el tema encaja con el leit motiv de la película. ¿Y para ustedes?

If the night turned cold, and the stars looked down
And you hug yourself on the cold cold ground
You wake the morning in a stranger’s coat
No-one would you see
You ask yourself, ’who’d watch for me? ’
My only friend, who could it be?
It’s hard to say it I hate to say it
But it’s probably me

When your belly’s empty and the hunger’s so real
And you’re too proud to beg and too dumb to steal
You search the city for your only friend
No-one would you see
You ask yourself, ’who could it be? ’
A solitary voice to speak out and set me free
I hate to say it I hate to say it
But it’s probably me

You’re not the easiest person I ever got to know
And it’s hard for us both to let our feelings show
Some would say I should let you go your way
You’ll only make me cry if there’s one guy, just one guy
Who’d lay down his life for you and die
It’s hard to say it I hate to say it
But it’s probably me

When the world’s gone crazy, and it makes no sense
And there’s only one voice that comes to your defence
And the jury’s out and your eyes search the room
And one friendly face is all you need to see
If there’s one guy, just one guy
Who’d lay down his life for you and die
It’s hard to say it I hate to say it
But it’s probably me

I hate to say it I hate to say
But it’s probably me
I hate to say it I hate to say
But it’s probably me
I hate to say it I hate to say
But it’s probably me

Dedicada a todos los amantes de la buena música, a los amantes de los artistas nombrados en el artículo y, sobre todo, a los amigos que siempren están ahí (un saludo especial al yeyo, espero que sepas entender la letra, jejeje...)

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Suite Deluxe nº1 de nuestro hotel: Queen, historia de un grupo que marcó época

El mejor grupo de Rock de la década de los 80 se aloja en nuestra Suite Deluxe nº1. Entra en nuestro Hotel California y admira la decoración que le proporciona la banda liderada por Freddie Mercury.

La historia musical de los componentes de Queen la podemos dividir en 2 grandes bloques, atendiendo a la reinvención del concepto de una banda que cambió su look con los nuevos tiempos y tendencias.

En un primer momento, la época de explosión de Queen, con una estética glamourosa (heredada por la camaleónica forma de vestir, largas melenas, lentejuelas y la teatralidad que aportaba en sus actuaciones uno de los grandes ídolos de los componentes de la banda, David Bowie) y sonidos rockeros (sus influencias fueron variadas, llegándolos a comparar con Led Zeppelin).

Su “lifting estético” se produjo recién entrados los años 80. En esta segunda etapa, destaca el cuero de sus ropas, pelo más corto y una aparente actitud más soberbia y dura.

Pero, vayamos a los comienzos de Queen.

La semilla de Queen la plantó Brian May, cerca del final de la década de los 60 (concretamente 1968). Tenía un grupo llamado Smile, donde tocaba con un amigo suyo llamado Tim Staffel y, a través de un anuncio, conocen a un tal Roger Taylor que no tardó en unirse a la banda. Este grupo no solo se dedica a dar pequeñas tocatas en clubs y pubs, sino que incluso llegaron a talonear a un par de grupos que pasarían a ser de culto con los años: Yes y Pink Floyd. Durante las minigiras del grupo, tenían la compañía de un chaval que siempre les daba consejos sobre cómo tocar los temas y cuál debería ser la estética (¿querría ser su representante? ¡Lo que nos hubiésemos perdido!).

En 1970, Tim decide abandonar el grupo, harto de tocar en garitos nocturnos, por lo que Brian y Roger se deciden a buscarle un sustituto para las voces. No se fueron muy lejos, puesto que ese chico que les aconsejaba hizo una prueba y pasó, al cabo de los años, a ser una de las voces más prestigiosas y reconocidas del rock internacional. Efectivamente, estamos hablando del insustituible Freddie Mercury. Es entonces cuando nace Queen (Abril de 1970). Deciden hacer un casting para contratar a un bajista (nada de Operaciones Triunfo) y encontraron justo lo que necesitaban: el cuarto miembro del grupo sería John Deacon.

Comienzan las composiciones del que iba a ser su album de debut, que se titularía “Queen”. Durante 1971, debutan como banda realizando conciertos por la zona Oeste de Inglaterra, donde versioneaban temas de sus grupos y cantantes favoritos, aderezados con temas de propia creación. En 1972, una productora local les consigue un contrato para grabar un single para la discográfica Trident (con las canciones "Keep yourself alive" y "Son and Daughter", publicando su primer album (el ya nombrado Queen) en Julio de 1973. Durante ese verano, realizan una gira por toda Inglaterra teloneando a Mott the Hopple que, impresionado por su buen hacer en directo, les pide como teloneros para el año siguiente.

En 1973, el grupo comienza a adquirir fama en el país y comienzan a aparecer grupos de fans. Se decide la grabación del segundo album de la banda, titulado Queen II, en una época prolífica para ellos (5 de los once temas que forman el disco fueron compuestos por Freddie Mercury). El album sale a la venta en 1974, año en el que se vuelven a meter en los estudios de grabación para componer su siguiente album: Sheer Heart Attack (que contiene uno de los temas emblemáticos del grupo, "Killer Queen"). Este album comienza a despertar el mercado europeo de ventas del grupo y deciden incluso preparar su primera gira por América. Durante esta etapa se ven envueltos en graves problemas de royalties y pleitos con el que era su manager, por lo que las ventas de sus discos no les reportaron muchos beneficios.

Pero el disco que les consagró definitivamente a nivel internacional lo fueron gestando durante los finales de 1974 y comienzos de 1975. Los ensayos y esfuerzos se vieron recompensados. Despiden a su anterior manager y contratan a un tal John Reid (que por aquel entonces era el manager de un tal Elton John). ¡ Qué cantidad de tales…! Reid quedó tan impresionado por el potencial del grupo que convenció a la discográfica EMI para que no escatimaran ningún esfuerzo por realizar el siguiente disco del grupo, que llevaría por título A night at the Opera (Freddie y los suyos eran auténticos fanáticos de los Hermanos Marx, al igual que el que les expone esta suite deluxe, jejeje…). Pero es que…¡VALIÓ LA PENA ESE ESFUERZO!

La producción de este álbum fue tan desorbitante, que el grupo llegó a utilizar seis estudios para las grabaciones, y en ocasiones de manera simultánea. Se tardó cuatro meses en su grabación completa (lo que también se consideraba exagerado) y en total requirió 35 mil libras para su creación. El tema de presentación que propuso la banda fue “Bohemian Rhapsody” y tenía una duración de 6’23”. Antes de que la canción se lanzara oficialmente, Mercury le pasó el sencillo a un amigo (Kenny Everet) de una emisora (pues su representante, J. Reid, pensaba que la canción era demasiado larga para emitirla en las radios y creía que debían acortarla, a lo que la banda se negó, gracias a Dios…), con la condición de no ponerla todavía en la radio. Sin embargo, al locutor le gustó tanto (gracias Kenny, no sabes cuánto te lo agradecemos…) que no aguantó la tentación y la puso en antena unas 14 veces en dos días.
Su efecto fue inmediato. Rápidamente los oyentes sobresaturaron los teléfonos de la emisora tratando de informarse de cómo podían adquirir la canción que estaban pinchando en ese momento. La discográfica no paraba de recibir llamadas de anónimos que querían conseguir el disco cuanto antes.
"Bohemian Rhapsody", que ha sido calificada como la mejor composición de rock sinfónico hasta ahora creada, entró en su primera semana en la posición 47 de las listas británicas. Sólo tardó cuatro semanas en llegar al número uno, del cual no se bajaría en las nueve siguientes. Con el éxito de la canción subiendo como la espuma, la banda quería copar todos los espacios posibles para promocionarla. Por eso decidieron crear un cortometraje que acompañara la canción. Contrataron al director de cine Bruce Gowers (un director poco conocido por aquel entonces que había realizado alguna serie para televisión y que terminaría rodando conciertos y vídeos de grandes intérpretes como Eric Clapton, Sarah Brightman, The Rolling Stones… o de actores cómicos conocidos como Eddie Murphy o Robin Williams…), para que rodara el video.

El 20 de noviembre de 1975 el programa ‘Top of the tops’ estrenó en video promocional que ansiaba ver la crítica y el público. En el libro titulado `Queen, así comenzó´ de J. Jun, se resume lo siguiente: “Proyectar una película en vez de una presentación en directo constituyó un hito en la historia de la música. Queen fue el pionero en grabar un video promocional exclusivamente para una canción” .
Gracias a todo esto, en tan solo 2 meses, Queen consiguió vender cerca de 500 mil copias del disco A night at the Opera con el que se encumbraron definitivamente como una de las bandas de rock más importantes e influyentes de todos los tiempos.

Pero este disco no solo lo formaba el tema "Bohemian Rahpsody". Mercury se mofaba de su anterior manager en el tema "Death on two legs" (por todo el dinero que les había robado) y también encontramos otro de los clásicos del grupo: "You are my best friend". Con el disco sonando en todo el mundo , vuelven a realizar una gira que les lleva por América, Japón y Australia.

Inmersos desde finales de 1975 en la grabación de nuevas canciones, su album A day at the races hace su aparición en 1976. Este disco aporta un nuevo clásico en su trayectoria, como es "Somebody to love" (excelentemente versionada por el grupo junto a George Michael años más tarde, todo hay que decirlo. Nada que ver con la pobre imitación que trató de realizar el vomit.... perdón, Robbie Williams). Comienza una nueva gira por América en 1977, donde les ocurre una anécdota curiosa. Las críticas alaban a sus teloneros, Thin Lizzy, y arremeten contra Queen, lo que provoca que muchos espectadores acudan a sus conciertos para comprobar la calidad de ambos. Queen empieza a ser respetado por el gran público en sus directos. Mientras están de gira, comienzan a preparar los temas de su próximo disco, que llevaría por nombre News of the World.

News of the World/i> consigue hacerse rápidamente con el disco de platino, gracias sobre todo a la composición de 2 temas que fueron pilares fundamentales en la trayectoria de esta banda británica: "We Will Rock You" y "We are the Champions" (¿a que a todos les suena este tema como colofón de cualquier evento deportivo?). La gira de este disco la acaban con 4 conciertos en el Reino Unido (tras estar un mes tocando por varios países europeos).

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Habitación 101: Brothers in Arms (Dire Straits)

Bienvenido, visitante. El Hotel California abre las puertas de la habitación 101, en la que encontramos alojado el disco de mayor éxito de los inigualables Dire Straits. Estamos hablando de Brothers in Arms.

La formación original de los Dire Straits (fundada en el año 1977) estaba compuesta por Mark Knopfler (guitarra y voz), su hermano David Knopfler (guitarra), John Illsley (bajo) y Pick Withers (batería).
A lo largo de los siguientes años, y tras ser descubiertos por un productor londinense a partir de una maqueta presentada en la emisora de radio de la BBC de Londres, comienzan a publicar sus propios discos y la formación va sufriendo cambios. David Knopfler decide abandonar cuando se disponen a grabar Tunnel of Love. Inician la búsqueda de un nuevo guitarrista y de un teclista que les apoyen en los conciertos: el primero será Hal Lindes, y el de las teclas Alan Clark. Posteriormente, Pick Withers también abandona la formación por motivos personales y rápidamente se busca su sustituto, y este no es otro que Terry Williams (que acababa de grabar la primera banda sonora firmada y tocada por Mark Knopfler, Local Hero). Además, se incorpora un saxofonista nuevo, Mel Collins (en el disco Extended dance play) y, poco después,se incorpora un segundo teclista, Tommy Mandel. A partir de aquí, los Dire Straits se encierran para grabar un nuevo album de estudio…
…Y ese trabajo, que vió la luz a principios de 1985, se llamó Brothers in Arms. La grabación de los temas se llevó a cabo en los estudios Air de la isla de Monserrat, en pleno Caribe, y fue mezclado en los estudios Power Station de New York entre el mes de Noviembre de 1984 y Abril de 1985. Fue publicado en Mayo de 1985 (tiene veinte añitos recién cumplidos… FELICIDADES). Sin duda alguna, Brothers in Arms fue el disco que marcó un punto de inflexión en los Dire Straits. A partir de este disco, nada será como antes y gracias él, la banda entró en la selecta galería de grupos importantes y superventas de la década de los ochenta.
Los componentes vuelven a renovarse:
Hal Lindes abandonará el proyecto siendo sustituido por Jack Sonny. Guy Fletcher toma posesión del segundo teclado. Se incorpora el saxofonista Chris White (su trabajo lo podemos oír de forma impecable y magistral en "Your Latest Trick"). Para este álbum, la banda contó además con la participación de varios músicos y artistas importantes como Jimmy Mandel, Miki Minieri, Omar Hakim (su solo de batería al comienzo del tema “Money for nothing” es uno de los más recordados y emulados al aire por los fan de este grupo y por los que no lo son, al igual que los punteos de guitarra de Knopfler se emulan con los arpegios y riffs de una Philson Stratoblaster Air Guitar, jejeje…) y Sting (lo podemos escuchar en los temas "Money for Nothing" y "Brothers in Arms"), cuya colaboración elevó, si cabe, la calidad del disco.
Las canciones de ese disco están firmadas, como no, por Mark Knopfler y, a juicio de la propia banda, son un reflejo de los nuevos tiempos. Parece un disco más moderno, más en la onda de los años 80. Las 9 canciones que lo componen son verdaderos monumentos sonoros en la carrera de Dire Straits. En él se puede apreciar esa mezcla de literatura y lenguaje de calle que Mark Knopfler ha hecho tan popular, empezando por “So far Away” y terminando por la canción que da titulo al disco. Hay que destacar que la versión LP de Brothers in Arms traía versiones en algunos casos más cortas que la versión Cassette o la edición en Cd. Por ejemplo, el minutaje de “Your latest trick” (una canción que contenía una melodía irradiada a través de un precioso saxo, una portentosa guitarra y con una letra poética e incisiva) se veía claramente recortado.
Ante tan extraordinaria calidad, tanto de contenido como de artistas, Brothers in Arms resultó un éxito rotundo, convirtiendo a los Dire Straits, casi de la noche a la mañana, en un fenómeno de masas. Nada más aparecer en el mercado, Brothers in Arms se situó en el número uno estadounidense por espacio de nueve semanas y en las listas inglesas permaneció tres semanas en la primera posición. En el Reino Unido, el grupo también batió otra marca importante, pues con 3.200.000 ejemplares del álbum vendidos, consiguieron ser la banda que más discos vendieron hasta entonces en ese país.
Además del éxito comercial que supuso Brothers in Arms, esté contó con otro detalle muy importante mirándolo desde la perspectiva del tiempo, pues se consiguió que el entonces naciente formato de Cd fuera considerado como un formato a tener en cuenta como posible sustituto del disco de vinilo. Gracias al hecho de vender en formato de Cd, los Dire Straits entraron en el libro Guinness de los records al ser el grupo musical que más discos compactos vendieron hasta la fecha.

La presentación de Brothers in Arms se hace en París, y allí también se anuncia la nueva gira. Una gira mastodóntica, enorme, y para muchos irrealizable, que llevará a los Dire Straits a dar la vuelta completa al globo, comenzando por unos conciertos a modo de pruebas en Yugoslavia. Sin embargo la gira "oficial" comenzará el 30 de Abril en Jerusalen. Recorrieron 23 países y 117 ciudades (muchas donde no habían actuado antes), actuaron 248 veces llenando grandes estadios que significaron una venta de más de tres millones de entradas en total. La apoteosis será en Londres: durante 12 noches seguidas, las localidades del estadio de Wembley quedarán agotadas, un record que nadie había conseguido hasta la fecha. Ese mismo año participan en el festival Live Aid, con un par de temas, y con la colaboración sobre el escenario de Sting. Después de recorrer Europa y Medio Oriente, cruzan el charco para comenzar la gira en EEUU y Canadá. Volverían a Europa a finales del año, cuando el album lleva ya vendidas más de 8 millones de copias (casi la mitad en EEUU). Al regresar a Europa, hay miles de fans que les están esperando y vuelven a arrasar, alli por donde pasan, salvo en Italia, ya que, unos problemas con la organización local impiden que se den los conciertos previstos. Pero eso no supuso ningún problema. Al haber muchas solicitudes para celebrarlos, los 3 conciertos previstos son trasladados a otros lugares. Actúan también en varios festivales de corte benéfico o solidario, entre el que cabe destacar el realizado el 11 de junio de 1988 con motivo del cumpleaños de NELSON MANDELA.
Los Dire Straits se hicieron demasiado grandes en poco espacio de tiempo, se agobiaron, tuvieron sus roces y riñas entre los componentes y el grupo en general sintió que había tocado el techo de lo que eran capaces de hacer.

Como nota destacable, voy a reflejar una de las notas pintorescas de este magnífico disco. Según dicen leyendas y rumores que corren, la idea original de "Money for Nothing" surgió de una conversación real entre dos trabajadores de una tienda de electrodomésticos y que Mark tuvo la oportunidad de escuchar. Se da el caso que estos veían por uno de los televisores del comercio un cantante famoso (¿en la MTV?). Los trabajadores se pusieron a hablar y criticar acerca de ese tipo, que no hacia nada, a lo máximo se lastimaba el dedo a fuerza de rascar su guitarra, aparecía por la tele, ganaba mucho dinero por casi ningún esfuerzo y sobretodo, lo que más les fastidiaba, es que tenía todas las chicas que podía desear a su alrededor. En cambio ellos, con interminables y largas jornadas de subir, bajar, montar y desmontar pesados electrodomésticos no eran más que dos completos anónimos que apenas podían sobrevivir y encima, ¡sin tías buenas!.

Brothers in arms

Fecha de salida:

17.05.85

Canciones y duración de las mismas:

1. So Far Away (5:12)
2. Money for Nothing (8:26)
3. Walk of Life (4:13)
4. Your Latest Trick (6:34)
5. Why Worry (8:31)
6. Ride Across the River (6:58)
7. The Man's Too Strong (4:40)
8. One World (3:41)
9. Brothers in Arms (6:59)

Con la sana intención de haber resumido la trayectoria de uno de mis discos favoritos, espero vuestras opiniones y comentarios. Saludos a todos.

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